确实很难归类：秦岭的作品从实现手段上看是跟工艺紧密相关，从作品的形制样貌上看，又是不折不扣的当代雕塑概念；从作品呈现的效果来看，可以划入公共艺术的范畴，但从创作理念出发，它又是极富艺术家个体经验极具内观性。当然，艺术家的作品归类不是必须的，但是，做一下“归类”的事情有助于观众更好地理解作品本身。

  当以玻璃为主要材料创作时，秦岭已经走过了对“材料”琢磨、对“造型”研究的基础阶段，转而开始对“环境”和“光（光线、光彩、甚至光之暗部）”开始了思考和实操——这对于艺术家来说实际上是有点儿像“长途远征”那般具有一定冒险性，尤其是光，变化多端难以把握。在秦岭已完成的若干件公共艺术作品中（例如位于静安嘉里中心南北连廊的《与光同行》），我们不难发现他是将“光”作为重要元素融合进作品里的，换句话说，如果少了“光”，作品是不成立的。

  本次展览重点推介的是凝结于“材料”、“造型”、“观念”、“感受”、“审美”的秦岭压箱底功夫的作品。无论是他《默照》、还是《湖石》系列，都暗合了我个人喜欢的那种不安分地“以规矩的手段使用规矩的材料制作不规矩的作品”的创作方式。常规意义上玻璃的剔透、晶莹，在作品里不是必然的；常规意义上玻璃艺术的规整、像形，在秦岭作品里也不是定数。在他这些玻璃艺术作品中唯一具有的共性其实是“色调”（甚至都不能用“色彩”来概括），我们可以注意到，他作品里的颜色，大多是流动的、雾化的——虽然这跟材料语言有关但实际上更多是体现艺术家的选择。假如我们把一件作品的外廓看作是一个世界的边界，那么在它内部的种种变化，其实就指征着艺术家对于“内在空间”的理解、同时也是表达着希望把手上所掌控的这个“世界”变成什么样。毋庸讳言，玻璃艺术作品在烧制过程中会存在一定的变数和偶然性，有时候，这种偶然性恰是艺术家所梦寐以求又求之不得的效果。

  作为高校教师同时又是学科负责人，秦岭在讲述作品时会有比较强的思辨性和逻辑关联，这当然能极大地有助于他的教学。但相处久了，我们会察觉到秦岭在本质上是个感受型而非思辨性艺术家，他会对生活场景中的某个段落、或者所见所闻的片羽吉光在心里埋下种子，进而生发出表达。秦岭感兴趣的不是理念、不是论证过程，而是某种感受，或者是一个场景，甚而至于对某个点滴的感觉能牵记极长的时间。所以，即便他的作品整体上呈现出一种高冷的、冰莹的状态，但那只是为了更好地与人们保持一定的焦距，进而可以方便了解作品和艺术家的内在世界。用一句日常但准确的话归结就是：“保持距离，为了更好地看见。”

 

顾耀峰