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张海涛:物理科技艺术媒介简史与概论——万物等观与心物感应
时间:2021.02.02

   物理科技艺术除了媒体自身具有美学价值,它还可以增强我们的表达观念与感受,具有奇幻的远程分享、互相连动、沉浸式体验、通感交互性、时空转换等特征,同时也具有科学的实证性。这些特性也正是物理科技艺术的价值所在,对于技术背后与物的互相感应符合中国传统文化道法自然、天人合一的理念,更可以通过人造物、重组物态及拟人物象表达对生命的寓言,对社会背后的文化进行思考。这样的新媒介带来的创新性,区别于静态绘画、摄影的时间凝固感与消逝感,而物理科技艺术更多是动态的多感体验,直接而真实。交互性重要的是分享,让观众的参与成为创作的一部分,激发观者的潜能,表达物理符号、技术、语言之外我们对历史新的诠释、对人文社会的关切、对人生的生命体悟,还可以预设未来的伦理,以当下人的视角表达生存的感受和生存环境的体验。因此物理科技艺术不仅仅是声光电技术酷炫,更是通过新的视听体验带给我们新的启示。

一、  物理科技艺术的概念及观念基础

    物理科技艺术是借用物理科学技术的媒介、语言、材质、特性来表达作者创作的观念、感受和思想的方式。物理科学技术在新媒体艺术中涉及不少的领域,如无线电(电话、广播电视)艺术、声音艺术、灯光装置艺术(LED、全息影像、媒体建筑)、动态装置(风动力、电动力、传感器装置)、激光、电磁艺术、人工自然现象、时空艺术、新媒体地景艺术、纳米艺术,等等,很多领域又不是独立而隔裂的存在,而是与其他领域的媒介跨界呈现,如:物理模拟全息影像与数字艺术的结合;灯光艺术与远程通信技术结合,可以远程控制其造型和色调;电磁艺术也可以通过与传感技术、计算机技术结合,改变奇幻的形态;动态装置也可以通过数字编程、生物仿生技术结合研发成人工智能艺术;而传感装置的类型也跨越多种领域有声控、温控、磁感应、光感、声音等感应技术;太空中也会与失重舞蹈结合表达更加自由;人工自然现象与地景艺术结合,用电子动力介入,会呈现更多奇幻的体验;纳米技术与机器人技术结合用于医疗和军事领域,也都是惊人的研发。



▲《星际穿越 Interstellar》剧照



物理科技艺术哲学基础:万物等观

    世界由物质组成,物分为自然物与人造物。人造物其实也源于对自然物态潜能的挖掘,发现新的存在规律。这就是科学最重要的发现物性新的价值规律,然而与物质同时存在的还有一个思想性的精神,就是我们说的形而上的灵魂物质它的存在虽然依赖有机的机体,但他们之间的关系也是哲学长期讨论的基础,即思维与存在、唯物与唯心的问题。这也是有机物和无机物的表征差异,自然物态的存在规律不由人类的意志而转移,然而人类的愿望持续改变着自然之物,创造新的物态和生命状态,而产生了新的伦理、思维方式和新的时空观念。其实这些人工的生命状态也是自然规律发现,只是人类在一直探索自己的机体潜能而已。物理科技的声光电被人工化创造的音乐、灯光装置、视屏、网络等新物种,让人类的生活状态变得越来越丰富、快捷、舒适,这些是物质实用的感官功能。但是这些人造物还有美学的功能,渐渐地,这些人造物还具有了观念表达、情感传递的功能,这些都区别于自然无机物。这就是文化和艺术的价值和意义,它的意义也在于让这些事物赋予生命,帮人类传递思想。据说科学分析这种思想灵魂也是由微小物质构成,自然也是物质的一种形式。

    人造物质信息科技与电气科技、人工智能技术仿生的目的,就是让人造物在物理和精神上服务于人,表达人类正能量和极积的道德伦理观、生态观,揭示生命的意义,处理好人与自然的关系、人与人的关系。即使人类很多文学艺术作品里反映了很多灾难与危机的“负能量”,但它归根结底都是为了批判负能量,为了追求永恒而积极的价值观。另外一些自然物运动起来,赋予生命,借物喻人,是物理科技艺术的主要方式,谈物即谈人,借不同物的符号、语言和技术方式,可隐喻现实、历史、未来和永恒的生存寓言。这就是物理科技艺术的价值所在。

    那人是不是物呢?广义上也是,而狭义上不是,所以有个说法“你这个东西” “你不是东西”都是贬义词,都是骂人的词。我们所说的物权,将物性差异作为前提,以生态、伦理的角度去探讨万物平等。按照亚里士多德对于事物逻辑的分类法,“植物在无机物之上,动物在植物之上,作为理性动物的人类则高于梯次中的任何物体”,这个观点是源于认识论对本体论的较量。

    我们知道有灵魂的动物、植物是有机生物,无机物更多被称为物质或物体,这些物质包括气象、物质、水、云、风、火、气这些微粒或化学物理原理构成的物质,古希腊的哲学认为万物的本体是有这些基本物质构成,它们的存在是人类生存的基础,所以从生态学的角度必须加以保护。

    科技新媒体是互联之物,不同的媒体独立而又有联系,它对其他物质的影响是隐藏、潜在的,就像辐射一样,虽然看不见,但必然存在。中世纪把“神”作为价值本体,将物理科学和人的价值搁置起来;近代文艺复兴把科学与人文主义得以重视;启蒙运动是继文艺复兴后的又一次反封建的思想解放运动,其核心思想是“理性崇拜”,再次反对教会政治与封建制度,构筑了一个以人类为中心的世界;而20世纪现代哲学强调二元理性的科学主义物主义与人本主义异质共生;到20世纪60年代的后现代与90年代的当代哲学倡导作为万物之尺度及“齐物平等”。这样的秩序是多元和差异的秩序,而非二元对立的秩序,强调科学主义与人文主义的互相依存与转换。物理新媒体艺术也倡导多元、无中心主义的万物互联与万物平等的观念。

 


Scott Snibbe创作的物理交互作品《大风吹》

 



    其实人与物的平等观念自古有之,是人与新生命物种成为造物主“去人类中心化”的途径,庄子“齐物论”包含齐物与齐论两个意思:他认为世界万物包括人的品性和感情,看起来是千差万别,归根结底却又是齐一的,这就是“齐物”。古希腊时期世界的本源即“气、水、火”之物;道家的“一生二、二生三、三生万物”即一与多、阴与阳相互转换回归物性,庄子“梦蝶”中生物与人“你中有我,我中有你”,以互换视角与身份判断事物的价值;法国哲学家吉伯特·西蒙东将物视为三种:物理存在的体、技术存在的体与精神存在的体,认为技术与人文化应该打破对立的关系,重建一个自由平等的政治范式,改变是与技术存在体之间的敌对关系。关注人性化的良知去解救技术带来的环境危机,以及反思由技术所造就的新兴生命与人类的伦理关系,这些都说明技术与人性不可分离,也不是取代的关系。近期赫拉利出版的《未来简史》说人文主义将被科学主义取代只能作为一家之言。新民主主义寻求“齐物平等"的重新定义,人类只是存在于世界万物其中的参与者之一,卡洛琳·克里斯托弗·巴伽基夫说:“如果蜜蜂可以投票,世界将会怎样呢?而蜜蜂如何投票呢?”新媒体艺术其实就应该是技术人性化的体现,在此,人与物、技术与生物、主体与客体将会创建一个新的逻辑关系,尤其是人工智能与人类的平等已经被广泛讨论。主客体平等的交互性感知、想象,是目前人工智能还未达到的,人工智能正在向多感知发展,打破了以视觉为中心的艺术。未来人与人造物的感知是相互平等的存在,当然前提是相互能够达到感知的情况下。

 


荷兰艺术家Theo Jansen创作的
风动装置作品《海滩动物》



物观与心物感应

    当今全球化时代以经济富强的现代性做为主流价值标准和发展目标,工业信息化带来的强权利益,致使精神文明和生态文明遭受空前的危机,人工的物化消费致使生物生理上的变异,不明症状的暗物质侵袭,高科技的生化和数字变异带来的弊端,让我们面临着各种新的生命、病症和新的死亡方式。自然物态规律自古不会因人的外在意志而转移。人类从出现至今一直想认识或改变这种自然物化现象,在与这样的力量进行调和与抗争,从秦始皇的长生不老丹到当今的人工物态,人们用各种方式想留住青春,然而最终选择了心灵的回归。以物态隐喻和寻求我们一种精神轮回和永恒,诠释了人与物态规律的抗争与调和关系,这里面自然物态与精神达到合一才能得到心灵的永恒,人的欲念往往会破坏自然物态而导致心理上痛苦。

    物态,字面上理解为日常所知的固态、液态和气态三种状态,植物在一定自然或环境影响下的状态和自然原始动力的规律,可引申为被精神抽离后的物化状态,寻求人与物感应的关系,这里“态”意双关:即指事物一种自然状态本性;又指人与物感应时对物的心态和价值观点。

 


Blendid Interaction Design创作的装置“触摸我”



    物态学即研究物与环境间相互关系的学科,这里自然物态与此相关:与生态关系、自然原始动力、朴素、自然、非修饰、感伤、顺应自然、生命的意义和价值、人与物的关系,永恒话题、物及必反、潜默。  

    物观.观物即人与物感应时以人或物的视角感受价值观和心态、人生观,面对自然物态规律的心态和体悟。可见物态是一种精神寻求自然的状态,它已不是简单的固态、液态和气态的说法,古今中外不同时期的思想家对“物”都有不同的认知和感受:庄子“齐物论”,老子“物及必反”,佛教“格物”、德国近现代哲学的“唯物”,东方物派……当代的后物质。当今时代人们为了物质欲望以人工仿造摆脱自然物态:如整容、转基因、克隆、虚拟镜像、仿真生命,以人工化寻求表征的永恒。变与不变的不断平衡的东方文化:由天人合一、人定胜天到人机合一、人机分离的演化过程。虽然脑机记忆存储、算法和基因编辑、克隆让人类的生命得到延长,但社会结构和伦理都会遭遇前所未有的挑战,人类精神虚空正在逐渐加剧,越来越远离自然的物性。

    人类从起源到现在一直都抱着“人定胜天的信念”,从蒸汽机的发明到现在的克隆技术、网络虚拟和智能机器,科技的发展时常冲击着伦理、道德、媒体、政治、宗教、艺术的变革。在这里东方哲学中的物已不是一种单纯的物质概念,是一种借物观人,或以人观物,而寻求精神与物合一的关系,对物的心态,对物质欲望及物化原始动力的看法。所有宗教都谈论有关生死的物化与转换问题,对积极的人生观的建立起到了很大的作用。懂得事态来去,适时、顺势就不致为悲伤或欢乐所干扰。道家认为,人洞察事物本性,有感情冲动,并不是说圣人便没有对事物的感觉,而是感受到事物的情感信息而不为所动,不以物喜不为己悲,才能定能生慧。毋宁说“得道者不为感情所扰,以至失去‘心灵的宁静’”他的心灵快乐不受外界所左右,可以达到“至乐”,人的努力目标是“天人合一”。这与我们当代“人定胜天”观念不同;科学的数字、生化变异中“基因与克隆”延长寿命对伦理道德产生了争议;时空混乱、穿越可能带来心智紊乱与太空殖民;基因改变引发的莫名的病毒疫情,生态破坏引发了灾难的诞生,媒体刺激、造人计划和宗教缺失引发了心理的变态,人类不断将面临着外态环境的危机,更重要的是心灵的缺失。人的身心改变着物态环境,物态环境的变化也影响着心灵的变化,与自然和谐相处,回归朴素物态心理,是人类化解危机的重要一项。这样的时代背景中对物态规律的自然心境成为当代人永恒的话题。

时间与空间转换

    时间与空间的转换、空间多维度不是我们表面能感觉到的,需要理论逻辑支撑和实践证明,如爱因斯坦的理论早于实践。海德歌尔说“空间与时间中的一切距离都在收缩,21世纪为世界展开的已经不仅仅是一种收缩而是一个彻底展平的时空。时间空间的隔离也批判了康德式的现象与本体的二元对立,如生与死、欲望与淡泊、血肉与精神、过去与未来,能指与所指成为了一体,轮回、混沌、我与它、主体与客体、表象与真实二元论虽不同但却将统一为一个整体,与齐物论观念一致,即统为一,这样前现代的物与如今后人本时代的物交叠在了一起,时间与空间穿越,打破了传统的线性时空。


物权分配

    物与人其实不可分割,物的分配与政策相关,而不同的国家体制不同,分配是社会学问题,与之前提到的自然科学管理不同。然而现在也将社会科学与自然科学进行了统一转换,与差异平等或多元主义有着重叠关系,物的分配与消费、生产、土地、资本也有紧密联系。

    涉及宇宙间一切事物,人类与整个自然界的各种事物都必须得到尊重。广义上人类是自然物之一,也要受到自然法则的支配和有生必有死的法则,人类的社会活动及其对自然的影响也是自然范畴内部关系。人与物的不平等其实也是人与人的不平等关系,物的异化也是人的异化原因,只有万物平等政治,对物的分配才能改变,重新编织物的秩序,它不是取消人与物、物与物之间的差异,而是将差异的事物视为权利、道德伦理平等作为前提,包括商品交换也是平等交换、契约的平等关系,差异是平等的前提即承认多样性的物性。



二、早期的物理科技艺术(20世纪10-50年代)

一、 动媒体艺术


    动媒体艺术电子因素是20世纪60年代一系列艺术探索的普通性特征,它包括动态雕塑艺术、光感动态艺术(Lumino-kinetic)和早期的电脑空间运动(Cybernetic Art Movements)以及视频艺术。动态装置可以追溯到20世纪10年代。
光艺术的概念
    “光艺术”的命名人是美国的托马斯·沃尔弗雷德(Thomas Wilfred),他创作了一个色彩机器模型,而且个人参与互动,表现出各种形态的、流动的、缓慢变换的灯光效果,充分体现了科技与艺术的巨大可能性。后来他还创作了一种电视机的灯光艺术盒,能持续数天甚至数夜呈现出毫不相同的光视效果。沃尔夫弗里德的光艺术活动一直持续到60年代,光与视频艺术结合。从科学研究探索,现在人们大概发现几十万种的可视色彩,其中很多色彩人们不能用肉眼区分。威尔弗雷德的艺术作品非常重要,因为它第一次把音乐、动态、视觉结合起来。

 


托马斯·沃尔弗雷德

 



    光艺术是现代科技的产物,和20世纪的现代艺术同步发展,最早期1870年代人印象派就源于光对色彩的影响。直到近三十年,随着芯片技术和照明技术的普及,以光为媒介的艺术在公共艺术中井喷式发展,介入和改变了人类城市生活的方式。光艺术不仅仅是灯光艺术,它的源头是以光为媒介和材料,成为视觉艺术一部分,具有创造性、观念性,随着时代的变化而不断变化着其介质与形态。

    一直以来,艺术与光的关系此前还基本围绕着宗教(光代表神性)、主体(启示性)和自然光源(美学塑造)展开,等到发明了人造光白炽灯、霓虹灯之后,人类的生活品质得到了极大的提升,光与艺术的关系也出现新变化,这也成为人类重新思考艺术与技术、人文与科学的关系的契机。关于人造光的应用,法国的技术人员和发明家乔志斯·克劳德(Georges Claude)在1910年的“巴黎车展”上首次展示了使用霓虹灯的作品,不过在20世纪30年代之前,霓虹灯管尚未广泛运用。近乎艺术创作的运用始于捷克斯洛伐克出生的阿根廷艺术家吉拉·科希策(Gyula Kosice),他被认为是第一个在雕塑中使用霓虹灯管的艺术家,特别是在雕塑中创造了非再现形式(nonrepresentational patterns)。他创作的“Royi”(1944)使他成为将作品基于观者参与之上的先驱者,观众的互动(Participation)后来成为照明艺术的重要特征。

    光艺术的历史还可以追溯到20世纪的构成主义和包豪斯的教学体系,主要的时间结点大概是1920年前后,代表人物是构成主义雕塑家纳姆·加博(Naum Gabo),他制作了《机动构成》作品,用电动马达带动。这件作品虽然没用光,但提出了动和视听的方式。因为铁棒快速抖动的轨迹在视网膜上留下的视觉残像形成一个半透明的光感,所以这件作品是跟光产生的第一件艺术作品。纳姆·加博兄弟是俄罗斯移民,就现代雕塑史上非常重要的艺术家,创造了动态装置艺术的先河。

    不过,到20世纪30年代,在包豪斯学院的教授莫霍利-纳吉和威尔弗雷德等人影响下的“动态装置”(Kinetic Sculptures),以及更宽泛的Kinetic Art,推动了把灯光用于艺术创作的第一次浪潮。莫霍利-纳吉试图借此来彻底变革人类的感知-知觉,更好地认知技术化的生活方式,这背后的主旨实则指向了新技术之介入艺术创作。然而,艺术创作不再单纯是一件关乎“技艺”之事,更涉及思考社会变化、实践艺术与技术的新关系。莫霍利-纳吉的《用于电级的光支柱(光空间调制器)》(Light Prop for an Electric Stage ,1930),集艺术家对技术、新材料以及光的实验于一体,不仅是后现代装置中的重要作品,而且呈现了莫霍利-纳吉在包豪斯进行实验的顶点。

    光艺术发展大致可以分为三个阶段。第一个阶段光艺术的缘起与铺垫期,20世纪1910至1940年代机械绘画与光艺术的结合的阶段,比如说马克、马里拉的作品,为了研究抽象艺术中的动感,包含了艺术家对音乐节奏的表现,同时为灯光与艺术、灯光艺术与科学的结合奠定了基调;第二阶段是20世纪50年代到60年代二十年时间,是动态艺术达到顶峰之时,也是动态雕塑、光感艺术、动态绘画融合的时期,涌现出如让·丁格利(Jean Tinguely)、肯尼斯·玛丁斯(Kenneth Martins)以及亚历山大·考尔德(Alexander Calder)等有影响的机械动态艺术家,这个阶段综合了技术手段拓展了光艺术的可能性;第三阶段就是20世纪70年代后科技手段开始向心理观念表达方向开始深化,借物喻人,如特利尔、坎贝尔等人的作品。

第一个阶段光艺术的缘起与铺垫期(20世纪1910-1940年代)

1.动态装置

 


“Standing Wave”,纳姆·加博1919年,发动机使竖棍摇摆转动,第一件动态艺术



2.光艺术

光艺术简史


    拉兹洛·莫霍利-纳吉( Laszlo Moholy-Nagy),1895年到1946年生活、工作于匈牙利、柏林, 1922年完成的装置《光与空间调节器》是艺术史上非常重要的一件光影作品,开始走向综合了多种技术的运用,进入了光艺术的具体的实施。这件作品充分探索了光线在空间中的相互作用,第一次用光做雕塑,开辟了我们后来的光艺术的先河。



《用于电级的光支柱(光空间调制器》,莫霍利-纳吉



    纳吉(192年至1930年在包豪斯制作了一个“空间与光的调节器” ,试图将运动的机械装置产生光的效果。纳吉作为包豪斯在动媒体的开拓者,同样将摄影引入教育体系,在多领域都做出了很大的贡献。


    1921年,包豪斯学校的杰出学生、德国人路德维希·赫希菲尔德马克创作的作品《色彩-灯光-音乐调节器》,也是一件划时代的光艺术作品。作品中,马克将色彩与彩色灯光、机械模板和自己编的音乐乐器结合,通过仪器中的灯光将模板形状投射出去,以便观察运动,直接把音乐转化为视觉形象,动态、音乐、光三者首次协同一体,从而被视为最早的多媒体艺术的代表之作。

    弗莱尔用灯管来仿造塔特林的“第三国际纪念塔”模型所做的一件作品。同时转换成现代主义绘画,如抽象的构成图式。作品在展示的时候光呈现动态。

 



第二个阶段光艺术的巅峰与融合时期

3.“二战”后: 20世纪五六年代运动绘画、动态光艺术、动态雕塑的跨界


    技术化艺术的另一来源是动态艺术中光和运动元素的使用。直到20世纪50年代,当动态艺术达到顶峰之时,涌现出了让·丁格利(Jean Tinguely)、肯尼斯·玛丁斯(Kenneth Martins)以及亚历山大·考尔德(Alexander Calder)等有影响的机械动态艺术家。

    1966年,荷兰的恩德贺温举行了题为“艺术·光·艺术”的新媒体艺术展,展出了艺术家利用人造灯光的公共艺术实验。在当时的展览图录论文中还提出了艺术的“环境”概念,这一展览标志着新媒体艺术以大型艺术展的方式进入了艺术博物馆系统和公众视野。

 


悬挂的霓虹灯,斯蒂芬·安托纳科斯,1965年



    安东尼·豪(Anthony Howe)是一位来自美国的艺术家,确切点说是动力学雕塑家。他利用专业的三维工程软件设计并制造了一系列样子怪异的金属动力雕塑,它们最大的看点是可以借助风力“蠕动”,仿佛突然具有了生命,
哪怕是一点点的风力,几十个部件组成的装置都可以运转起来。组件间的排列组合都经过了精致的设计,非常具有韵律变化,有的像蒲公英,有的像向日葵,有的动起来如水母的触须,虽然看起来相当魔性,却也有种另类的美感。

    1956年,匈牙利裔法国艺术家尼古拉斯·舍弗尔(Nicholas Schafer)造出了能够创作艺术的“CYSP 1”型机器人,而让·丁格力(Jean Tinguely)在1959年就创作了《参与-自动机器》(Méta-matic),让机器人在画布上作画,并在同年的首届巴黎双年展上引起热议。让·丁格利是20世纪下半叶世界最著名的瑞士雕刻家及实验艺术家,以机械式动态雕刻著称,代表作是1960年3月17日在美国纽约现代艺术博物馆花园创作的机动装置作品《向纽约致敬》(Hommage à Nuw York)。这是一架自动毁灭的机器,一架不能预知其运动过程的偶发机器(machine-happening),作品也隐喻出未来人类担忧的生存状态。

    杜尚开启了后现代艺术与观念艺术的先河,给整个绘画观念、视觉艺术观念上带来了全新的思考方式,彻底改变了19世纪及之前艺术的创作和思维方式.他也同时创作了动态艺术的重要作品。

    1965年,马塞尔·杜尚创作的《旋转浮雕(视觉唱盘)》由六片卡纸碟组成(彩色胶印于纸碟两面),悬挂于黑天鹅绒包裹的木盒中,旋转马达装置让其旋转,会呈现奇异的图像。

    机器时代向电子和信息化时代过渡在媒体艺术发展上的标志,是于1968年在纽约现代艺术博物馆举办的一个综合性展览,标题为“机器时代结束时所见的机器”,展出了一大批以技术为核心的新媒体艺术作品。

    这个展览的同时还有由实验艺术与科学协会组织的一次评奖活动,让·杜派(Jean Dupuy)的作品“Heart Beats Dust”(1968)获得大奖,这次活动标志着新媒体艺术正式进入了美国的当代艺术主流,成为实验艺术的一个重要组成部分。从艺术生态学和历史逻辑看,当代西方艺术学者时常常引用达里奥·布费罗(Dario del Bufalo)在1986年的第42届威尼斯双年展上的提法,他认为“40年代是电子艺术的时代,50时代是(新)达达的十年,60年代是多元主义时期,70年代是电脑图像,80年代是影像合成艺术的高峰”,而这一年的威尼斯双年展将“艺术与科学”作为主题。

 


《无限棱镜》《光II》和《微时间II》 1965年,尼古拉·薛菲尔在纽约犹太人博物馆举办的薛菲尔廷圭里联展上展出



4.电子视频装置的出现


    随着“二战“后的技术进步,新媒体艺术的重心由“机器美学”的机械性艺术向电子性艺术转变,以激浪艺术运动所倡导的综合行为、舞台、绘画、音乐、身体转到动媒体艺术。

    20世纪60年代,白南准成为录像艺术的鼻祖,他1963年就开始电视装置装作, 1965 年的“磁铁电视”成为早期重要的电视装置作品,作品表达主流影像话语权的质疑观念,与语言实验很得到完美的结合。

 


《磁铁电视》,1965 年


 


二、声音艺术SOAD

    声音艺术是20世纪70年代活跃的国际性的艺术媒介表达方式。广义的声音艺术最早源于1910年代,早期低技术的声音艺术多以行为、材料作为观念表达的介质。声音雕塑于20世纪60年代晚期开始成为一种观念艺术类型,在70年代达到高峰。声音艺术指由视觉艺术家或跨领域的行为艺术家、新媒体艺术家拓展痛感表达的途径,而不是音乐领域的艺术,它以实验性的声音混合、复制、修改为方法论,让声音直接表达感受,这时发出声音的视觉材料、媒介都是辅助,为声音表达服务。不同的声音能传达不同时代的感受,按时间类型可分为记忆的、当下的和未来的时代声音,按声音身份可分为美好和邪恶的声音,按地域也可感受到不同地域的声音表达。声音艺术的展出场域多为艺术机构和公共空间,或通过设备记录和网络展示传播,代表艺术家有约翰·安德顿、劳里·安德森、罗斯兰·班德、克里斯·道歉、查尔斯和玛丽·布克纳、康妮·贝克利、菲尔·戴森、保罗·厄尔斯、特里·福克斯、布赖恩·埃诺、保罗·科斯、道格·霍利斯、汤姆、马里奥尼、阿尔文·卢西尔、布鲁斯·诺曼、麦克斯·纽豪斯、丹尼斯·奥本海姆、波琳·奥利弗罗斯、谢尔盖·斯皮策、南琼·派克(John Anderton、Laurie Anderson、Rosland Bandt、Chris Apology、Charles and Mary Buchner、Connie Beckley、Phil Dadson、Paul Earls、Terry Fox、Brian Eno、Paul Kos、Doug Hollis、Tom 、Marioni、Alvin Lucier、Bruce Nauman、Max Neuhaus、Dennis Oppenheim、Pauline Oliveros、Serge Spitzer、Nam June Paik),杜桑、约翰・凯奇( John Cage)、白南准、安德森、艾诺、贺利斯与纽浩斯、阿波洛奇、多尔和于克等是突出的重要艺术家。

    卢梭罗(Luigi Russolo)在1913年发表的未来主义宣言《噪音的艺术》(The Art of Noise)中抨击艺术和音乐的分离。这件作品以各种奇怪乐器:水流声器( Gurglers)、碎音器( Shatterers)、蜂音器( Buzzers)等,创造出象征着街道上弥漫的各种声音。
这种艺术和音乐融合而形成的观念艺术始于1916年达达艺术家杜桑在“散播的秘密”(A Bruit Secret)和“隐藏的噪音”(With Hidden Noise)中插入一个螺丝。第二次世界大战以后,杜桑的追随者约翰·凯奇(john cage)在这种精神的基础上创作了《沉默的乐章》,意在让听众注意周遭环境中的声音。凯奇的强调是“音乐从来没有停止过,只有倾听才停止了”。偶发艺术与弗鲁克萨斯事件中也往往实用声音和音乐的媒介。

    1916年,《苏黎世达达》中的巴尔和查拉等人在演出中使用缝纫机为诗歌朗诵者伴奏,巴尔朗读了《声音诗》,他任意排放文字,使音节变成诗行,营造出原始氛围。在20世纪20年代的包豪斯戏剧中,出现了较早的改装乐器实验,他们在旧钢琴的琴键上钉上图钉,在琴弦上塞上油纸、棉花纸、金属线、钉子。20世纪40年代以后,约翰·凯奇任教于美国北卡罗来纳州的黑山学院,作曲课程成为推动波普艺术、偶发艺术、激浪派进军多媒体艺术的重要因素。凯奇是阿诺德·勋伯格的学生,作为其作品的动机是纯粹的音乐,但是他对平凡事物、物和社会的客观态度非常重视,关注环境互动性的总体的艺术理念给整代的造型艺术家带来了灵感。他的学生有卡普勒、迪安·汉森、罗森伯格等。

    后现代主义艺术家将声音运用在各种作品中。安德森在其剧场式的表演中结合了流行音乐;艾诺、贺利斯与纽浩斯则创造出了触碰肌理的声音环境;贺利斯的户外作品,有时借用某些自然现象的声音,如风雨雷鸣所发出的音响。通常被认为是“声音艺术”的是它们几乎完全依重于听觉的环境声。阿波洛奇在其“道歉专线”"( Apology Line)中将声音推向极度的观念性目的,该专线是在纽约的一条互动性电话线路,拨电话者可以在电话中道歉,并且听到对方的告白,这样,视觉成为辅助的媒材。

    多尔和尤克1970年在杜塞尔多夫和爱丁堡制作的《声音景观I》(铁锤、风琴、电子合成、物体和光、布的雕塑)将视觉和听觉的过程简化为声音、时间、光、天空,其元素就像时间静态的声音一样,但能感觉到安静地运转的微妙体验,通过声音和光物体的秩序,观众们置身于光的景观中,穿梭于各处。

    《声音景观Ⅱ》是在柏林庭院的画廊演出的,所以很特别,根据空间和音响效果,内容会发生变化。原本接近《声之景观I》的中性音色、个性不同的“声之合唱”组合,包含了新的音乐独奏、特殊的钢琴声、混声机器合唱,这个组合和声作为乐器被写在乐谱上。

 


《伊菲格尼/蒂多・安冬尼》约瑟夫・波伊斯( Joseph Bewys),德国,1967年-1969年。
斧子、麦克风、喊叫、吹哨、鸣叫、嘶鸣、独唱、打击乐、朗读、播放录音带、白马栅栏、草种。

 



三、电磁艺术(无线电和通讯艺术)

    利用通信技术连接不同地点的艺术表现手法在1922年莫霍利·纳吉的电话艺术中就已经出现。纳吉利用电话在工厂定制的5件作品被认为是最早利用远程通信方式创作的艺术作品。具体的做法是纳吉在一张彩色图纸上标出符号,利用电话向工厂的人员传达指令并定做作品,电话中指示工厂绘制抽象图画,限定的构图=矢量图、像素等。纳吉的作品技术手段在20世纪20年代只是运用电话媒介,但在当时已经是高科技手段,因此技术媒介在不同时代一直在变化着,“新媒体”永远是一个相对的概念。

最早的无线电子艺术可以通过远程传播创造出幻听的体验——纯粹的聆听体验,声音艺术的语符隐喻着不同的观念、感受和思想。1929年无线电广播剧《周末》(WEEKEND)是以城市录音剪辑非影像的声音艺术。

1933年未来主义广播 F.T.Marinetti“Silence Speak Among Themselves”运用声音乐谱脚本作为媒介方式。未来主义是将事物运动的时间轨迹、空间变化的节奏与思想感觉体现在图像和符号中,让静态的影像中表现出强烈的工业化的机械动感和张力。

1938年奥森·威尔斯(Orson Welles)的表演广播剧《世界大战》(The War of the Worlds,),以新闻广播的方式虚构“火星人入侵”,利用大众传媒原有语言,制造了一起广播时代的伪纪实、伪新闻。

三、20世纪70年代后的物理科技艺术及类型

(一)、实验性声音装置艺术


远程通讯艺术

    影像艺术的先驱白南准在远程通讯艺术领域也具有开拓性。1984年利用卫星电视技术连接巴黎、纽约、旧金山等城市创作的《奥威尔先生早安》作品,开启了利用电视卫星进行全球规模互动与传播、交流的艺术方式和先河。1986年白南准的第二部太空歌剧《再见,吉卜林》(Bye Bye Kipling)通过卫星在汉城(现在叫首尔)、东京和纽约的连线播放,地理位置上遥远的国家、城市之间产生了对话和交流。1988年,汉城奥运会开幕式上,白南准的作品《包裹世界》(Wrap around World)用1003个电视显示器和一条卫星线路,组装成一个20米高的“通天”巨型电视塔,大体量的电视联网、卫星直播、酷新的画面效果、配合娱乐明星的摇滚视听、场外互相配合的海量实时摄像设备,以及镜头前主播、报道、演出、观看、嬉闹的所有人统统被包裹融合在在这件作品中。


气流声场


    这个作品,由一组气阀构成的作品,制作风、压力、声音,在观众的头顶上产生出像呼吸一样的声音。这种奇怪的声音是由于我们周围空气中暂时的压力变化而产生的。扬声器通常利用振动的薄膜来产生这些压力变化,使我们感受到“声音”。在“空气流动”中,压缩的空气用于音响生产,压缩气体非常快地通过气阀释放到空中。“气流声场”由42个独立可控阀门组成,具有10×20m的罩面,声音和风在这个面积内以不同的速度、方向和强度交错着。这种格式是通过一种自生方式产生的,是对风的空间动向的解释。观众应该自行判断在这种氛围中的位置,虽然每个阀门都能发出自己的声音,但观众们仍会感受到其音响带有一种流动的形状,过程与观看电影相似,电影的画面不是单个的一系列镜头,而是时间中的一系列运动。作品利用42个阀门运转的时差,以不同的速度延缓和重复创造出富有诗意的音响环境。

磁极

     POL(德语词汇,意为磁极)是一个现场临时准备的演出 POL是一个由七块足以占据观众整个视野的大型屏幕所构成的一个半环绕式环境。这些屏幕整体上呈碗状排列。在这个环境中有一个特定的中心点,声音和图像由其开始,慢慢地向边缘的屏幕扩散。在此过程中,人们能感受到的是一种“视觉辐射”的感觉。
    POL主要是由一个人的影像样本来表现,这个人是广受欢迎的歌手及演员戴蒙达·加拉斯(Diamanda Galas)。这个展示事实上就是把表演者几秒钟的电子样本隐藏于声音波形之中,转化为介于异型和天使间的某个产物。现实的“人体”部分激发出像闪光一样的持续的抽象的声音,视频变成了一种光源,而不是表现出来的图像。光或者说图像并不重要,声音才是POL最至关重要的表现方式。


物之声

   《物之声》的两个巨大的机械化扫帚悬挂在空中并进行摇摆运动,有时们缓慢的节奏给我们一种悬浮在时间里的印象。它们的超常尺寸传递了种脆弱并且失衡的感觉。当他们经过并摩擦报纸堆时,刷头內的麦克风扑捉到纸张的震动,此时一个波的扫描揭示了这些日常材料“噪声音乐“的潜力。报纸和刷子也变成了“声音物体”并发出一种连续的不和谐音,通过结构的运动产生不间断并且脆弱的“隆隆”声。

作品利用观众的走动触发感应器从而使机械运动,信号被编译以影响机械扫帚的运动,声音信号和在空间中的传播。观众可以通过行为来塑造他们的声音范围,他们可以选择自己的时间性。《物之声》在没有人为交互的时候会保持静默。
(帕特里斯・库隆布: MAXMSP编程。莫里奥团体协助参展,魁北克省文化基金会支持)





《物之声》,凯瑟琳・贝沙尔、萨宾・胡东(加拿大),2004年—2005年,木材、铝、画笔、纸张、电机、麦克风、电子器件、放大器、扬声器、MID接口、音频接口、传感器、电脑

 



超声波#5
    创造一个万物有灵的世界观,比约恩·舒尔克的作品以活跃的内部意识为特征,他的雕塑作品往往通过行为周期表现出非理性的性格特征和独特的感情特征,让人联想到某实验场的人工智能研究和现代的美学,《超声波 5》组合了齐柏林飞艇和公牛的形态,泰勒明telamine的电子琴内置在里面发出“嘀嘀“声和“”声,展示了在空中飞翔的可能性。从底座上伸出的蛇状电缆由一个独轮或“尾巴”来表现。
(Bitformsi画廊惠允)



《超声波#5》,比约恩・舒尔克(德国),2012年,玻璃纤维、运动传感器、泰勒明电子琴、低音炮音箱、功放、电线、定制电路


 


音阶

    “音阶”是一种跨物种艺术工程及互动装置,一个来自亚马逊流域的夜间电鱼设备,由十二种电鱼构成一个“和声团”,它们的电场被声学化,提供出一个互动的声学环境声源。鱼被放入各自的鱼缸内,由特殊形状的铝框架构成,每条鱼都可以被听到一一未经处理或者加入数字效果,可通过一个触屏直接控制音量,通过十二声道音响系统,从水槽的底部的led阵列可以得到视觉反馈。所有软件均为特制。

    此项目由以下人员构成:作曲家/音乐设计师杰伊·艾伦·严(Jay Alan Yim)、视觉艺术家玛琳娜·诺瓦克(Mar lena Novak)、神经工程师迈克姆・马克威尔(Malcom Maclver)。诺瓦克和严以Octastyle的名义合作创作多媒体作品,感兴趣的主题包括认知、它探索边界和物质与非物质的关系,还涉及非法侵入的议题和雄性同体海洋扁虫的交配行为的研究;马克威尔的研究集中于电鱼的感观处理和运动,并将此研究转化为新型生物技术,在探索和先进机械的水下推进。“音阶”的全球首次亮相是在STRP艺术节上(荷兰埃因霍温,2010年11月18日至28日),是欧洲最重要的艺术与科技参与者之一。这件作品的部分赞助来自艺术跨学科研究中心,西北大学研究基金会和 Murphy协会。


80个设定好的直流电机,棉球,纸板箱,70×70×70cm

    泽曼利用简单而有效的部件,创造出了p wh 具有建筑思维的声音平台,在设定的系统,探索机械韵律和流动感。他的装置与通常的工业产品相结合,在简单而富有魅力的材料展示中,表现了现代主义秩序模式和混乱的生活压力之间的紧张关系,承载着深厚的感情。在泽曼单纯的结构中,自然现象的低鸣自由回荡。(Zimoun由 BAJ Group, bitforms画廊.纽约及 Denise Ren6画廊,巴黎代理)

 


《80个设定好的直流电机,棉球,纸板箱70×70×70厘米》,泽曼(瑞士),2011年,直流电机、棉球、填充焊丝、纸板箱、电源



车辙

    装置作品唤起了一种有机机制,该机制可以揭示隐藏的对象层。弹簧、派盘、塑料扎带、金属锉刀、保龄球和其他物体的组合都是随机的行为,他们蠕动、振动着或旋转着,发出仿佛要把我们带入不可思议的世界里的令人惊讶的声音。平庸的东西和丰富的声音的反差震撼着观众,解开想要寻找声音根源的观众之谜。这个装置特别强调动物的声音和植物的结构,声音和物体之间的差异重新创造了一个类似的自然环境,其中呼唤的集合构成了物种的起源。
(让-皮埃尔・戈捷的作品由组约 Jack Shaiman画廊代理、莫里奥团体协助参展,魁北克省文化基金会支持)

 


《车辙》,让-皮埃尔・戈捷(加拿大),2004年,动能和声音装置:钢管、电线、音频线、机器人调音台、压电式麦克风、扬声器、电机、微控制器,各种物体



(二)、光、电、磁艺术

光艺术


    埃利亚松用光的语言来陈述日常生活中的形态,将人工化自然现象作为公共景观,把光作为艺术介入生活的一种方式。

 


《气候项目》,埃利亚松




    艺术家沃尔特·德·玛丽亚的作品主要是利用闪电、自然光的物理形态创作,在荒野中放置400根钢管导电,通过电视转播让人看到电闪雷鸣壮观的景象。


辉光放电


    辉光放电是低压气体中显示辉光的气体放电现象。在置有板状电极的玻璃管内充入约几毫米汞柱的气体或蒸汽,当两极间电压较高(约1000伏)时,稀薄气体中的残余正离子在电场中加速,有足够的动能轰击阴极,产生二次电子,经簇射过程产生更多的带电粒子,使气体导电。辉光放电的特征是电流只有几毫安,而且温度不高,电管内有特殊的亮区和暗区呈现瑰丽的发光现象,如图所示。辉光放电的主要应用是利用其发光效应(如霓虹灯、日光灯)以及正常辉光放电的稳压效应(如氖稳压管)。

 


低压等离子体辉光放电
 



特斯拉线圈超高压放电火花

    彼得·特伦(Peter Terren )采用特斯拉圈产生的高压进行火花放电创造了许多惊人的作品,电流通过艺术家本人,轿车等产生绚烂的火花,如图所示。


激光与光效艺术——激光光浪雕塑

    1998年,纽约科学馆Lightforms艺术展展出了英国物理学家保罗·弗里德兰迪亚(Paul Friedlandea)绳子厂旋转电动机和基本彩色照明灯结合科学与美学创造的光浪雕塑作品《墨暗物质》。保罗擅长于使用激光来表现数学曲线。
在2003年的Arena Movedizas艺术节上,他在现场布置了许多个表现数字雕塑的曲面,当人们漫步于这梦幻般的美丽景观之中时,感觉真是妙不可言。

 


穴居人的小工具


    “穴居人的小工具”是由3个小工具组合而成的装置,作品的创作来自对早期人类和现代文化、环境和科学技术状况的想象。每个小工具从日常生活的要素和概念中向穴居人说明一个电灯的开关、一个夜灯,还有对时间的感知,帮助穴居人在现代的基础工具和原始工具之间创建了一种连接。这些古老而又现代的工具利用现代的科学技术,结合了很长时间以来主导人类生存的自然界的逻辑与物质元素。

    “穴居人的小工具1”用2个石头代替火来点亮灯泡;“穴居人的小工具2”制造出光反射的气氛,它在夜晚的大部分时间都围绕在人的周围,就像烈酒、煤和火线的混合一样混合在一起,灯光闪烁,好像燃烧的火;“穴居人的小工具3”拥有阳光照射房间的感觉,人类通过由此成为划分天空,并开始理解时间流逝的感觉的关键要素。这些小工具希望追溯日常科技与其石器时代起源之间关系的失去的线索,重新恢复和发明所关联的神奇感觉。


声音与光的汇演模型

    “Aoyama space”(青山空间)这个名字的由东京青山区球型摄影棚而来,它没有任何棱角,让人产生一种不可思议的没有尽头的空间感觉,找不到任何可以参照坐标。因此,该系列实验用特殊空间配置的虚拟房间的缩小版,这样可以观察空间复杂的结构和详细的配置。在这些盒子内部,不同种类的模型空间包含曲面、剖面等,通过光影的变化呈现出来,光影由特别编制的电子音乐激发,从低音贝斯到盒子都能听到的高频率的敲击声。由于音频和节奏的不同,光和空间的相互作用随之改变了其形状,强度和视觉效果——空间干扰的概念推动和探索人类的感官认知,同时质疑主观的空间解释。

 


《声音与光的汇演模型》,卡斯顿・尼克菜(德国),200年9,由底架承托的阳极化处理的铝箱体、电子器件、灯光、声音

静电动影

    这个让人身临其境的装置创意性地探索“静电”这个隐藏着在我们的生活中随处可见的现象——诗一般的潜能。“静电电影”探索了如何利用科学技术实现我们与隐形静电世界之间的相互作用。实时拍摄自己的动作,聆听布料如何对你的动作做出反应,去发现一个不可见的物理现象是如何通过“触感-静电”镜像展现在你的眼前。尽管静电在现代家庭和工业环境中经常被认为是造成电气冲击、工程事故和工业火灾的原因,但这个作品把重点放在了它的积极作用上。受到17世纪初期魔术和科学中的设备和机械的启发,以及静电探索时的发现(例如otto van guricke发明的最初的静电发生器)的启发,日本“静电动影”以一种互动的装置的形态表现静电领域。它能感应观者身上的静电,使其变成建筑电子纺织膜的音像图案。这种创作方式提高了与静电相互作用的潜力。

    这种“电子布料”就像一面镜子,可以对人们看不到的电子的运动做出反应,并使其可视化。当检测到静电场临近时,这个纯模拟的装置便会在发光的纺织幕布上制造出与之相对应的瞬息万变的影子,与观众和物体相呼应。同时,它还是一种对电强度、人的距离和接触做出反应的简易音响仪器。


延展的火花网


    装置“延性火花网”由覆盖整个展厅的网状火花桥构成。这个结构形成了离地面三米高的平面装置空间中观众的动作由无线电频率探测仪感知,并用于网络的信息输入。就像我们身体的神经元网络的形成一样,火花桥桥也形成了互连网络,这个网络是我们的神经细胞网络信息交流电脉冲的象征,从物质世界输入作为动向。电火花可以同时产生声音和光线,其产生的图案具有惊人的视觉和听觉效果。对于埃德温·凡·德·海德(Edwin van der Heide)来说,电火花代表着纯粹和简洁的美感。火花是产生光的最基本形式,它所产生的脉冲是可以想象的最短的声音。这些脉冲可以被视为构成“时空”的最基本形式。


指南针

    “指南针”是安装在人的腰部的指示机,指引人在虚拟的走廊和房间里行走。它基于物理展示空间进行编程,机器就像在一个磁场中一样产生吸引力和排斥力,观众可以探索这个环境并发现一个触觉结构。这个机器被编程为使观众追随的一个无形的地图,但观众可以在与机器的抵抗和服从之间进行选择。
(Galerie Fortlaan17画廊惠允,图片版权德克·鲍威尔斯)

 


《指南针》,劳伦斯・马尔斯塔夫(比利时、挪威),2005年,铝结构(直径1m)、电子元件、直流电机、压缩机



源于内部的平衡

    《源于内部的平衡》是精巧的艺术:有170年历史的沙发,依靠一条腿达到不稳定的平衡并一边持续摇晃着,从内部对外力做出反应。这是人与人之间的关系和我们为了支撑这种关系而创造出的器物的冥想。(图片版权:雅各布·托斯基)

 


《源于内部的平衡》,雅各布·托斯基(美国),2012年,机电雕塑



磁悬浮床

    魔术或科幻文学艺术以一种超自然状态的异形和个性打动观众。魔术师除了具有智慧的骗术也时常借助科学作为创作的媒介。艺术家借助科学媒介表达一个时代的感受,而科学家更多地是利用技术实现人们或自己的梦想、价值,更偏重理性的技术研究和试验。磁悬浮床是艺术家借助科学家的技术力量实现了他们的艺术想象,艺术家使用了床的符号,是对现实生存状态的描述。选择悬浮物的不同可看出两者侧重点不同,艺术家更偏重情感的一面。对于一件作品,魔术师、科学家和艺术家的兴趣点也不同,但它们共通的一点是“悬浮”的看点。他们实施作品的目的和意义则不同。科学家目的是实现科学技术的突破,对于选择什么悬浮物不关心,重要的是怎样把东西悬起来;而艺术家侧重选择“床”这个符号的现实意义,技术只是表达的手段。魔术师的目的则是现场气氛和效果,可能他觉得人或动物悬浮更具现场感,选择物以刺激新颖为侧重点。对于床在当代艺术史中有很多艺术家描述,如女性艺术家艾敏的《床》、莎拉·卢卡斯的《天性》等通过个人隐私的公开化来达对现实的隐射、对性意识和观念的重新定位和改变。也有的艺术家则选择了将床上加钉子来消解床传达给我们的舒适感,有些艺术家借床的符号来对传统和地域文化进行思考。而磁悬浮床则具有科技与时代感,时尚而不确定,如果我们长期睡在这样的床上面会给我们带来怎样的感觉:舒适?紧张?坠落?时尚?还是恐慌?.只有体验了,才有说服力。

    荷兰年轻艺术家简加普·卢伊吉塞纳斯耗时六年完成了一件依靠磁力悬浮于半空的“磁悬浮床”,该艺术品于2006年8月5日首次展出,并以154万美元的天价公开出售。

磁流体


    利用新发现的新物质,创造未来新质感,给人以新的视听感,互动或游戏中产生的刺激、快感也是未来艺术趋势,磁流体的未知性、神秘感、质感便具有这一时代特征。

    磁流体的主要成分是一种由粒径小于15nm的超顺磁性磁粉、载液及表面活性剂等,通过磁粉表面活性剂分子将铁磁性纳米颗粒稳定分散于油或水等合适的基液中所形成的一种胶态体系,根据所含的磁性粒子不同可分为铁氧体系、金属系和氧化铁系三类,根据基液的不同可为水基、油基、醚基和酯基。

 


艺术家与Peter 与菲莉斯•法 兰克尔(Felice Frankel) 对磁流体作的艺术表现

 



互动磁流体


    日本艺术家儿玉幸子与竹野美奈子的作品《磁力液》获得 了2001年“日本文化厅媒体艺术节”数码艺术互动组大奖。这个作品中,超微磁粉与一种特殊的油混合在一起,在磁场的作用下产生奇妙的形状。黑色的磁流体能够根据周围声音的不同,通过内部计算机的控制不断进行各种各样的变形,同时一台摄像机会记录这些变化,将这些美轮美奂的图像直接投影在一个宽荧幕上,呈现给现场观众。被投影在屏幕上的磁流体呈现形态各异、造型优美的变化,令人叹为观止。

 


日本艺术家儿玉幸子与竹野美奈子的互动式
磁流体作品



(三)、人工自然现象的艺术化再现

风、云、雾、漩涡


当代艺术的多元化使我们可以与科学家合作实施各种各样的方案,但艺术的多元化不能鱼龙混杂,对艺术形态的探索和对世界“大我”的生存感受的忧虑是艺术的价值支点,人工化、都市化的心理反弹,必然会重新唤起对自然物象体验的回归,人工化自然景观也会成为都市自然化的重要项目,并让人们随时体验自然、了解自然、走进自然。
宇宙大爆炸形成宇宙,地球形成,恐龙灭绝,大气形成及人类出现,直至人类灭绝,无不与自然原始动力有关。自然给我们创造了悲观的一面,如火山爆发、地震、海啸、龙卷风,也给我们创造了美丽彩虹、阳光、细雨及瑞雪这些美好的一面。
认识物与人、自然原始动力、生与死是我们永恒的话题,调节我们的心态和积极的与物感应,我们才可能活得更精彩。

河流风暴

长时间以来,奈德·卡恩(Ned Kahn)创作了大量反映自然现象的作品,他的装置作品利用空气、雾、水、火、沙等为素材,再现了自然界中各种景观,如旋风、漩涡等。
在奈德·卡恩的作品《河流风暴》中,可以通过旋转球以塑造沙子的形状存在于陆地或水中,当风或水波动的时候,沙子就成成丘陵和山谷以及涟漪形状的表面,就像在大漠一样。

图片
奈德·卡恩创作的反映自然现象的作品正在现场转播
节目的艺术学校

    巨大的透明聚酯圆筒里五个强有力风机,把塑料泡沫颗粒吹的纷飞,观众可以轮流坐在漩涡中心或从外面观看,狂风的风眼处则一片安宁。这个装置在每年看来都很壮观,实际上就像冥想一样,人们可以追踪其循环的模式,可以关注三维像素的不同层次,可以聆听到瀑布的声音。这个作品可以看作是人类在多样的环境中找回内心平静的仪器。过一会儿,空间似乎被扩大了,人逐渐失去了对时间的意识。


风动装置

    安东尼·豪(是一位来自美国的艺术家,确切点说是动力学雕塑家。他利用专业的三维工程软件设计并制造了一系列样子怪异的金属动力雕塑,它们最大的看点是可以借助风力“蠕动”,仿佛突然具有了生命。


升华


    安尼施·卡普尔是一位“营造”艺术家, 从各方面来说他更注重空间美感而不是物体本身。他的小件艺术品如同其大型装置一样,空间本身潜在着感官材料的物质限制,同时又以一种修改和扭曲的方式使得其领悟性和审美经验增强。安尼施·卡普尔的作品里营造行为的意义是紧跟而来的,特别是当感官游戏或幻想存在的时候: 虚空,也可以看成一个平面,或者赋予其造形;翻转或抹掉图象的反射;光线改变或调节颜色;形体在物理效应下产生其形状,特别是视觉上的,神秘升腾或幽灵显现的效应将人的心灵引领到另一层次。如在装置作品《升华》中,他采用了一条巨型螺旋形通道带领参观者做感官的体验。从一个隐蔽矮小的门开始,通过黑暗狭窄的走廊,最后到达光亮的出口,那些可能侵犯到我们体验的幽闭恐惧感觉突然被升腾漂渺的揭示而否定了。皮尔·鲁乙基·塔梓曾写道:“在安尼施·卡普尔作品里最常见就是在世界的外壳上制造一个裂缝……在不同的层次上刺穿,在不同的高度上,以各种不同的深度渗透,多方位的暗示及可能性,多种厚度深度及不同的效果。”

 


装置《云朵》, 许仲敏中国,2018年,MEDIA、
机动化装置



云科学

    生活在人类时代是如何改变我们对自然的概念的?该问题的讨论是通过构筑和运用各种机器来进行展开的,以明确文化对迫在眉睫的环境问题的认知、相关技术、伦理道德及审美态度。“云机器”是指基于地理技术为调节天气而人工创造云朵的的个人装置。“云端收集”是个用于像云一样思考的个人设备,它用来收集云的样本,然后通过实验对象的摄入进行微生物分析。通过DY的方式,“云科学”涉及气候変化问题和人类现实的体验:通过对业余爱好者能力的信赖与我们周围的世界产生新的沟通。
(支持:零点媒体艺术中心)

 


《云科学》,卡罗丽娜・索贝茨卡(美国、波兰),2012年—2014年,定制软件及硬件、改装气象设备、视频影像






    “云”是从石灰和牡蛎中提取的色素合成的,这种色素在日本也被用于制图、化妆和木雕漂白已有几个世纪的历史。四百年前,日本天皇禁止使用欧洲发明的戏剧用的有毒铅,因此从贝壳中提取的无毒白色色素被广泛使用,那白色的粉末被演员传成了化妆品。

    与日本贝的色素混合的石灰,常见于钟乳石生成的岩洞底。在艺术家的装置中,伴随着轻微的声音冲击,白色的色素被投射在黑色的幕墙前。这面墙覆盖着烟栗色和其他黑色色素,形成饱满的黑色表面,由此与白色投影形成强烈对比。作品《云》衍生于艺术家对传统颜料制造方法的长期研究,例如使用印第安传统技术,从干燥的母虱子中提取深红色色素,并从印度木蓝植物中提取蓝色燃料。在作品《花园》中,用这些燃料把各种花染得非常干净。“冶金屏幕”( Alchemical polyptych)是不同颜色色调的解构。而“云”是此系列的最新项目,简约至黑与白。作品在于尝试在展览空间里创造一种自然现象的“三维绘画”。


(四)、宇宙太空艺术


    微重力体验、漂浮空中飞翔、摆脱地球引力的愿望,一直是作为普通的自然人的一个梦想,在未来则可能会成为时尚。从古至今,原始翅膀、风筝试验、飞机试验和太空试验,人类在一步步实现自己的愿望,“没有做不到,只有想不到”已成人类信条。艺术家往往是不可知世界的想象者和促进者,也往往是这样的想象的体验者,达芬奇、鲁班就是这样的例子。艺术家和科学家一样都在实验,都是人类梦想的改革者和实施者,艺术形态的拓展给人们带来新的体验和空间。

太空舞蹈

    Kitsou Dubois是一位法国舞蹈家以及歌唱家,她曾经对宇航员进行舞蹈训练,以帮助他们迅速地在微重力环境下自由地运动。在微重力情况下,舞蹈可以在地面、墙上甚至天花板上进行,而且可以实现比在地面上自由丰富得多的动作。微重力下的舞蹈是如此迷人,Kitsou Dubois发现了许多独特的舞姿。

 


太空舞蹈

 

 



倒下的宇航员,月球上唯一的艺术品


    《留在月球上的艺术品》在异空间被追忆为人类牺牲的开拓者,以一种历史上没有的形态出现。艺术在大地艺术出现时已打破了艺术馆展出的形态,月球作品是一个更大的突破,更重要的是一种试验的精神,可能也是当代艺术的重要特征。

倒下的宇航员是一个长8.5厘米的铝质雕刻,样子是一个穿着宇航服的宇航员。这是在月球上唯一存在的艺术作品。
这是比利时艺术家保罗·凡·霍登克(Paul Van Hoeydonck)创作的。某次,他在一个晚宴上遇见了宇航员D大卫·斯科特(avid Scott), 被邀请创作一个小雕像,用以个人纪念哪些为了推动太空探索而献出生命的宇航员和航天员。不过还有很多限制约束着凡·霍登克的创作,这个雕像的材质要既轻又坚固,能够经受住月球上严酷的气候条件,而且从外形也不能看出来是男性或者女性,也不能看出有任何的种族倾向。另外,为了避免把商业带入太空,凡·霍登克的名字也不能公之于众。1971年,“倒下的宇航员”被阿波罗15号的成员放在了月球上面,旁边还有一块薄板,刻有八名美国和六名苏联宇航员的名字。


(五)、从地景到新媒介地景艺术

新媒介地景:雷电场


    作品《雷电场》借用自然原始力量,转换纯自然状态。人工引导自然、改造自然利于人类掌握自然习性,体验自然的力量,增强人类认识自然、科学改良自然的信念,也是对人与自然的关系的思考。        

    在当代艺术中的装置、行为艺术及新媒体艺术中,“体验”是一个重要的词汇,大地艺术将体验更加强化,并将自然环境考虑于作品之中。多数大地艺术也把视觉冲击和规模作为语言方式,表现人类介入自然的力量。大地艺术多关注人与自然的关系,走入自然,如史密斯独特的《螺旋形防波堤》,在盐湖区以石头与结晶盐筑出约500米长的堤坝以及克里斯托与珍妮·克劳德代表作品《飞篱》《峡谷幕瀑》、安迪·高尔德渥滋《无题》,这些作品中都有一个特点——人工对自然的介入形成与自然的反差和异样协调。《雷电场》则是借用人工科技力量对某种自然现象:雷和电的转换,并融入偶发的时间因素。人类对于自然的认识、人工改造、人工利用的脚步从未停止过,并且囊括了所有和自然有关的项目。人类对自然生物的介入发展到基因转变、克隆生命、智能机器、人脑接口。与物理的介入发展从人工取火开始到纳米技术、宇宙航空和人造月亮等等;对风、水、电、光等都进行了有效利用:利用电能转换能量,利用风力、电力发电,利用光能取暖和照明;等等。“人定胜天”现成为人类的信念和愿望,但是人类只是处于初级认识阶段,未知自然现象如地震、外星生物、宇宙的大小、人类死亡原因都是人类的未知世界,人类对自然的改造将给我们带来什么不是人类自身能控制的,因为人类依然很渺小。


 《雷电场》是美国雕刻家沃尔特·德·玛丽亚(Walter De Maria)1977年的作品,是一个位于偏远的新墨西哥州西南部的高原沙漠的大地艺术,它包括400个严重的不锈钢杆组成的阵列。当大气中发生静电时,巨大的雷声和闪电光强烈地撞击着,让游客体验到自然现象的规模和时间意识。


靠人工能量发光的月亮

    将原始的力学原理转换为高级科学现象,人造自然现象成为未来的趋势,人类在科学上开发已不分国别、身份、种族,将共同造福人类并应对未来可能突如其来的问题,如地球毁灭、生态环境保护、火星开发,人造月亮、人造太阳在未来成为可能。

    澳大利亚艺术家群体Assocreation开发的作品《月河》(Moon Ride)中,月亮是一个漂浮在空中的气球,而自行车连接在发电机上,骑手们蹬车轮的时候,体能就被转化为电能,使大气球里的灯泡发光,形成一种人们越用力月亮就越亮的艺术效果。


(六)、全息艺术


    全息术是一种基于波动光学的、再现物体三维立体形象的技术。全息照相的英文单词是hologram,其中“holo”表示“全部”,而“gram”则表示“信息”。这种技术在工程技术、医学、艺术、装饰、包装、印刷等领域有着广泛的应用。
全息艺术的发展
全息技术及发展始终的重要事件一览:
  1947年:丹妮丝·加伯(Dannies Gabor)发明全息术;
  1958年:阿瑟·肖洛发表关于激光(Lase)的论文,奠定了激光的理论基础;
  1960年:迈曼(T.H.Maimam)发明红宝石激光器;
  1962年:杰文(Javen)发明氦氖激光器;
  1962年:代尼修克(Denisyuk制作了白光反射全息图;
  1962年:埃米特·里斯(Emmett Leith)和朱里斯·阿帕特尼克(Juris Upatnieks)实现三维立体漫射物的记录和再现;
  1964年:埃米特·里斯和朱里斯·阿帕特尼克拍摄第一张全息图《火车和鸟》;
  1965年:罗伯特·鲍威尔(Robert Powell)和卡尔·斯蒂森(Karl Stetson)发明全息干涉法;
  1967年:尚科夫(Shankoff)和彭宁顿(Pennington)发明重铬酸盐明胶全息感光材料;
  1967年:Ann Arbor艺术馆举办第一次面对公众的全息图展览;
  1967年:拉里·西伯特(Larry Siebert)拍摄第一张人物肖像全息图;
  1968年:克兰布鲁克艺术学院(Cranbrook Academy of Art)第一次将全息图作为“艺术作品”展Ef.
  1968年:斯蒂芬·A.本顿(Stephen A.Benton)发明彩虹全息术,奠定了大规模生产的基础二
  1970年:Finch College艺术馆举办第二次全息艺术展览;
  1970年:劳埃德·克罗斯(Lloyd Cross)和Sculptor Gerry Pethick开发沙盘系统;
  1971年:克罗斯和他的伙伴成立了第一个让艺术家和科学家学习全息术的学校
  1971年:加伯获得当年诺贝尔物理学奖;
  1972年:劳埃德·克罗斯制作了第一个移动的三维全息图像;
  1972年:本顿发明黑白全息图技术;
  1972年:Tung Jeong开设全息术研讨班;
  1974年:迈克尔·福斯特(Michael Foster)发明全息压印技术;
  1975年:乔迪·伯恩斯(Jody Burns)和波西·杰克逊(Posy Jackson)举办大规模的全息艺术展览;
  1976年:维克多·科玛(Victor Kormar)制作出全息电影的模型;
  1976年:建立纽约的全息博物馆(Museum of Holography) ;
  1977年:全息博物馆 y创立Portrait Gallery of Famous New Yorker;
  1977年:全息博物馆开始了名为“Through the looking glass”全球巡回展览;
1979年:史蒂夫·麦格鲁(Steve McGreww)将压花技术带人商业领域;
1983年:美国钞票公司发行第一张带全息防伪的VISA银行卡。


《全息诗》及经典作品全息艺术

    此文案例以多媒介的角度介绍作品,更多地是给读者提供了以科技为手段的认识资料,也为从事艺术的工作者打开另一种空间和感觉思维。我们对现实、历史、未知世界的判断、认知和感受,可选择更多的表达方式和艺术形态。全息诗是以光学媒介,它将传统诗歌进行解构,并予以重构,在互动中寻找诗歌语言新的可能性,将读者的感觉放在首位,预先考虑他们观看角度,不同观者所处角度不同诗的含义也不同,打破了以往传统作品一种诠释和确定不变的语言和感觉。不确定的生存困惑在当下和未来世界会越来越强烈,人工化的真假难辨、身份的模糊、虚拟的混合、基因突变、遗传克隆等,都给自然的状态增添了不确定的感受,这种感受也给我们带来了虚空和无耐。
经典作品全息摄影也是对摄影媒介的突破,让艺术“活”起来,使空间强烈起来,这也是未来的趋势,很多静止的作品都增添了动感与互动,游戏与深沉的意义结合。未来全息像册也可能利用此技术得到发展,已故亲人、崇拜偶像也会“真实”地与你互动,在对视中传达情感。

全息诗
全息诗(Holopoetry)的概念起源于爱德华多·卡克(Eduardo Kac)。 1983年卡克第一次看到全息图的时候,被这种新媒体深深吸引,后来便致力于全息诗的创作。
这里所说的全息诗是指用全息图技术投射的字母或单词,非整齐地在空间中排列,文字能配合观察者的视角变化而变化,表现出新的意义和观念。
传统的诗歌被“囚禁”在一张纸的平面内,但全息诗让文字们有了自己的活力和自由空间。全息诗所示的文字不像书那样排成一列,也不是同时出现,而是随着观察者的脚步移动而随机地出现在每个片段中,诗的意义、意境取决于观察者与诗的角度,以及空间色彩、透明度的感知或字的位置或形式的变化。
名字成了字母组合游戏
在艺术家创造的多媒体环境中,艺术家名字的字母表将成为重组的回文,通过简单的重新排列来检索字母表的潜在内涵。人的名字是固有的,离不开人的身份。拉丁谚语“Nomen est omen”的意思是“名字是符号”,拉康的概念“父亲之名”是指名字具有“纯粹性”。
艺术家名字的16个字母,衍生出数十万种字母组合,各种各样的组合急速闪变,用一个女性电脑的声音朗读。其中三个组合词“deep animal danger”“angel dreamed pain”和“garlanded ape in me”被刻在玻璃或镜箱中。箱子里能够看到没有底的井。
装置作品具有计算机的冷酷美学,观众沉浸在一个神秘抽象的电子字母和数字的世界中,探索这些反复出现的字母和数字的含义。在这些回文的某个地方,人们可以感觉到主体的幽灵和它的名字。


经典作品全息艺术


    从2009年8月15日开始,为期3个月的TCL世界经典艺术多媒体互动展在北京城市规划展览馆开幕,展出的61幅作品均取材于有人类文明以来的艺术精品。走进展览馆,《蒙娜丽莎》与您互动对话,《最后的晚餐》正在紧张地进行,米开朗基罗在向您介绍他的技艺特点,古埃及纸莎草纸画上的人物在解释“生死的秘密”,而爱神维纳斯则深情地张开双臂——原本静态的画作肖像全部都会说、会动,生动起来。 据介绍,这是国内首次将3D技术、全息技术融合在一起举办的高科技艺术展。通过运用新科技,古代的艺术家和作品中的人物都成了“有声有行”的人,与观众面对面进行跨越时空的对话。


女王的数字全息摄影

    英国著名摄影师克里斯·莱文分两次为女王拍下了一万张数码照片,据他介绍,每次拍摄活动都长达90分,女王应他的要求摆出了不同的姿势,还经常需要变换表情。
照片上的背景是一片黑色,女王头戴王冠,颈挂珍珠项链,微笑着凝望远方,她的脸部和肩部都闪烁着蓝色的微光,看起来庄严肃穆。参观者还惊讶地发现,随着他们从展室一端走到另一端,女王的头居然会“转动”,仿佛一直注视着他们。


迪特·容(多媒体全息影像艺术)





全息头像:奥图·华尼 、伊丽莎白· 戈尔登 、保尔·耶斯大林




你我之间,水平 II

    首个“固体光”装置是在1973年完成的,以光线描绘出了锥型。,你和我,卧式三》(2007)展览中的装置是系列中最近期的作品。其他系列中有关的作品包括《呼吸系列一》(2004)、《呼吸系列二》(2004)、《呼吸系列三》(2005),《交换》(2005),《你我之间,水平》(2005),《你和我,水平Ⅱ》(2006),以及《你我之间》(2006)。


(七)、纳米艺术

纳米花卉


    在电子显微镜之下,物体的纳米级的结构就会展现出来,一些科学家发现在某些物质如银氧铯、碳60和有机制薄膜等材料中会出现美丽的图形,一朵电子显微镜下的花,虽然无茎无根,却瓣、蕊俱全,令人叹为观止。图为剑桥大学纳米实验室的何锦韦(Ghim Wei Ho)拍摄的纳米花卉照片。

 


何锦韦拍摄的纳米花卉



扫描隧道显微镜与原子绘画


    IBM公司的科学家在白金表面上移动一个由氧化碳分子形成的小人,如图(a)所示,在铜表面上移动铁原子在排列成汉字“原子”,如图( b ) 。图( c)则是一个由铜原子构成的与日本岩石花园相似的景观,表面有一些表面态电子形成的波形涟漪,其中最高的有15埃即大约10个原子直径的尺度。


微尺度制造与纳米雕塑

纳米牛


    河田聪(Satoshi Kawata)和他的同事使用一种称为“双光子吸收引发的光聚合”(Natuer ,16th August  2001,412)的方法对高分子进行照相聚合,从而实现高分辨率的三维纳米雕塑。图为他们创作的10微米长、7微米高的牛。


苍蝇的眼镜


    2006年3月,德国慕尼黑奥林匹亚购物中心举办一个科学图像展,在特殊激光科技的帮助下,科学家给一只头部仅2毫米大小的苍蝇戴上吧眼镜。如图所示。
总部位于汉诺威 的Micreon公司利用超速激光微加工技术为苍蝇打造了这副眼镜,该公司表示,这项技术将能够制造出工精密度达到千分之一毫米的物体。

 


(八)、自然物质生态与形态的艺术

液体雕塑


    波特兰的艺术家马丁·沃(Martin Waugh)毕业于路易克拉克大学,并获得物理学硕士位。他完美地将艺术与科学融为一体,捕捉大自然中无穷无尽的美丽。他使用高速摄影机以一种童真的情趣捕捉液体所呈现出的那种平滑而奇异的形态,通过改变液滴的尺寸、速度、位置、黏性以及表面张力,获得了丰富多彩的“液体雕塑”,如图所示。

 


马丁·沃的高速摄影作品《液体雕塑》



化学机制转化艺术

精神和肉身升华的熔炉、溶解机体的容器


    西尔维奥·胡哲的这个复杂装置包括一些物品和设备,其中艺术家探索白色结晶黄嘌呤生物碱或咖啡因作为一种媒介载体,并将其化学机理转化为一种技术。在他的《熔解机体的容器》》(2012)中,咖啡因的过饱和溶液偶然使周围的死皮细胞结晶滴落在玻璃表面。他的《死亡驱动》(2012)再现了这一技术,但这次是在不同的基板上产生结晶,织物利用其结构来吸附结晶,展示时,容器和利用“死亡驱动”精巧技术的有毒蕾丝相互缠绕。《精神和肉身升华熔炉》是中世纪金属冶炼装置和现代实验室中使用的元素混合的装置,电热器加热真空保护玻璃中的精神药——咖啡因在其中慢慢升华,创造出具有典型形式的精美雕塑,并在装置打开时进行更长时间的形变。胡哲的“机体”即咖啡因晶体,这个雕塑是手工制作的高硼硅玻璃的容器里生成。他的《饱和度》(2012) 是在卡纸上手工冲洗的黑白照片:从各种出乎意料的咖啡因晶体的培养皿上拍摄的镜头,作为对伽利略1610年出版的《恒星的使者》(siderius nuncius)里描绘的 月球表面的微观模型的回应。

 


《精神和肉身升华的熔炉》《溶解机体的容器》,西尔维奥・胡哲(克罗地亚),2012年,咖啡因的结晶物(石膏/硅氧烷施放硼硅玻璃)、玻璃上的咖啡因结晶(咖啡因结晶在玻璃表面上的过饱和溶液)




天气音变


 《天气音变》研究了作为个体存在的我们如何体验环境中不断变化的天气模式。通过使个体的感觉结构暂时打乱,《天气音变》会扩大观众的认知,挑战对感观的现有判断。通过“超越感官界限”的人工体验,观众可以通过触觉和听觉体验,感受暂时投影在空间上的数字信息。该交互装置还从现象学的角度探索了体验性交互,揭示了我们与计算机的数据和天气传递的交互关系。作为个体,我们所面对的现实是,尽管我们能够准确地感知到气候变化,但回想和比较不同时空的感官体验是非常困难的。《天气音变》填补了这一感觉空白,通过声音化的过程,让观众对气象数据进行直接的触觉体验。除了提供全新的、数据的感性再现之外,作品还帮助人们形成对天气多变的个人体验。

 


《天气音变》,乔·路易、简·安德鲁斯克威兹、布莱恩·马德、凯文·拉克斯沃兹、朱利安·斯达东、保罗·托马斯(澳大利亚),2011年,互动声音装置,科廷科技大学(澳大利亚珀斯)&新南威尔士大学艺术学院(澳大利亚悉尼)




太阳风潜望镜

    宇宙天气持续影响地球大气,主要表现为太阳风。太阳辐射流粒子和大气空气原子相互碰撞,在地球和太空之间形成电离层,该电离层因太阳风的变化可以反射和吸收电磁波,经过天空电波的发展,无线电信号可以利用这层反射膜到达因地球曲面而受阻隔的地域。信号的范围取决于该电离层,成为太阳风电离程度的指标,因此,通过测量信号的范围,地球上的无线站可以成为宇宙气象站。太阳风潜望镜”用一个潜望镜将天气隧道周围的可视环境和看不见的宇宙天气连接起来,它利用天线和无线接收机,时刻监视来自全球无线网络Wsprnett的低功率信号。接收机与气象隧道的站点连接,并指示范围的读数,即电离的程度。可以用潜望镜看周围,通过对无线信号范围、太阳风及其电离层的当前效果进行视觉化,提高了视觉效果。

 


《太阳风潜望镜》,乔那·汉森、拉瑟·谢菲格(德国)2011年,HF天线、计算机、相机和电子元件、科隆媒体艺术学院

 



(九)、人造材料

气凝胶


    1931年,加拿大太平洋大学学者塞缪尔·奇斯勒(Samuel Kistler)使用纳米材料制程中常用的“溶胶-凝胶法”,在催化剂的催化下,使矽酸盐类经过水解缩合后形成胶状物,制作出第一块气凝胶。

    气凝胶材料是一种轻质纳米多孔性材料,拥有很高的比表面积(可以高达1000m2/g),目前最轻的硅气凝胶仅有3毫克每立方厘米,比空气重三倍,所以也被叫做“冻结的烟”或“蓝烟”。气凝胶貌似“弱不禁风”,其实非常坚固耐用,它可以承受相当于自身质量几千倍的压力,在温度达到1200℃时才会熔化。此外它的导热性和折射率也很低,绝缘能力比最好的玻璃纤维还要强39倍。由于具备这些特性,气凝胶便成为航天探测中不可替代的绝缘材料。 图为放在气凝胶片上的火柴,下方高温极高的喷灯在烧灼气凝胶片,而火柴毫发无损。Aspen公司利用气凝胶好的隔热性能制作了绝热纱布,下方是高温极高的喷灯,手却安然无事。

 


喷灯灼烧气凝胶片,火柴毫发无损




玻璃艺术


    玻璃是一种古老的材料,染色玻璃被大量用于门窗装饰,新的加工技术和玻璃材料本身的改进,使得艺术家们可以使用玻璃进行更加随心所欲的创造。下面的彩图为戴尔·奇胡利的作品《蓝紫色波斯人》。

 


《蓝紫色波斯人》



(十)、动力学艺术效应

照耀


    在《照耀》中,从底部注入的空气使光子晶体升降,新的数据和模式不断地在亚克力盒子中生成。

 


《照耀》,金允哲



雌性乌尔巴努斯

    近期,与阿尼玛机(别名U.R.A.M.)发表了关于值得关注的新的无机生物的发现的研究。依靠这种新型城市能源生活的机械有机体的发现,一定会在城市能源研究人员之间引起一阵轰动。U.R.A.M.介绍说,这种机器生物体具有可进行类似植物的光合作用的太阳能系统,分为雌性乌尔巴努斯和雄性乌尔巴努。雌性乌尔巴努斯直接摄取城市能量,雄性乌尔巴努吸收雌性释放的光子作为电能。U.R.A.M.将这种新型飞机械有机体称作“城市的恋人。“雌的乌尔巴斯形态上与花相似,当它摄取的能量以光的形式释放,它会打开其叶片形状的身体部分,同时作为光从外性器官以带电粒子大量放出。雄性乌尔巴努在雌性的身边徘徊等待光杯释放,也打开它叶片状的身体部位来接收光子。

    乌尔巴努斯被认为生活在城市上空的领域(约200米的高度),因此多在摩天大楼的上层和屋顶被发现。目前,无法享受空中视线的城市居民很少发现乌尔巴努斯,但据说有孩子们能够发现被组织的魔掌触碰的瞬间们。乌尔巴努斯在夜间活动,这意味着它们夜间可以看到卫星影像。乌尔巴努斯揭示了城市文明和人类生活方式之间根深蒂固的因果关系,因此,有必要未来对其进行进一步研究。


100克朗

    《100克朗》这个作品是由一张被折叠和展开多次的百元挪威克朗构成,这张纸币经由木头和低速电机组成的简单机械而变得栩栩如生。


上升


    装置“上升”是对于光、风和重力对物理对象的影响的新作系列的一部分。“上升”是由30个垂直悬挂的含有悬浮乒乓球的玻璃管组成的交响芭蕾舞剧:1.5米长的管子挂在墙上排列,管子之间有30厘米的间隔,每个管子底部有一个小风扇,来推动乒乓球在管中上升。球落底部后,柔和的定音鼓般的声音给整个装置带来了强有力的节奏和音调。所有30个同步风扇以一个精心设计的序列提升乒乓球,每个序列突显了该运动装置的不同特征,例如统一的运动、交替的涌动和波纹图案。
(Bitforms画廊惠允)


行动物


    皮朗的动能作品遵循一种规律性结构优化,其中各个元素可以从相对应的功能上来解读,而非关乎装饰性或任意性。

    在《行动物》里,小金属圆柱在铜盘见前后漂浮的近乎神奇的舞蹈中,皮朗以同样的结构为出发点,这使得可能的动态变化在不同地方同时展开。
(文字由马克韦尔曼于2012编写)


一条通往不知何处的蜿蜒之路


    一台有小轮子的机器在地板上梳理厚厚的绿色塑料胶带。,机器移动胶带的同时其运动被胶带影响,机器和材料围绕着对方舞蹈,一起在地面上创造了一个无休止的变化模式。
(V2_协助参展,支持:蒙德里安基金会)


舞台档案

   一个从各国收集的动态和未来的电影领导者档案,运用不同的语言来启动电影。(普拉达基金会惠允)


一个尝试将两根鞋带系在一起的机器


这是一个由两个简单旋转机械和一只艺术家穿过的旧鞋组成的装置,每个机械持住鞋带的一端,机械往复旋转,使得鞋带在某个时刻相遇并再次分开。这个机械的意图是将两根鞋带系在一起,但一直被延迟并永不能完成。

 


坚实的状态


     一个会议桌放置在昏暗的空间内,人们可以坐下来感受桌子如何开始震动。随着两个电机变换其同步与错位的运作,一系列复杂的节奏开始涌现并在桌子、地面以及观众的身体内产生共鸣,其震动幅度在很轻到很激烈中变化。
(Galerie Fortlaan17画廊惠允)

狼吞虎咽的液滴

    液滴在下落的过程中将逐渐加速,最后会在重力加速度以及表面张力的共同作用下形成不同的形状,最终则会被重力加速度撕裂。麻省理工学院的(加雷斯·麦金蒂Gareth McKintey) 以及何塞·比克(Jose Bic)等在液体里加入高分子以提高其表面张力,使得这些液滴被重力撕扯的时候仍然又与细细的液柱保持互相连接,以至于落下的第一个液滴会浪吞虎咽般地“吃掉”与之相连的后续的液滴,如图所示。


    加了高分子的液滴,落下的第一个液滴狼吞虎咽地“吃掉”与之相连的后续液滴


泡沫的艺术

    肥皂泡沫是与处于国际先进水平的各种科学概念联系在一起的,包括薄膜上的二维流体力学、数学极小化曲面、紧张空间下的造型结构等。
    法国国家科学研究中心(CNRS)光谱物理实验室的Patrice Ballet以及Francois Graner将洗净精溶液沿几根并放在一起的细线流下,然后分开这些细线,获得一个泡沫薄膜,再吹动它,获得了一个5米高的巨型泡沫。图为都柏林艺术家Boran拍摄的泡沫的三维结构。


近光速旅行


    多少年来,近光速旅行一直在为科幻作家和爱好者提供着梦想的养分和源源不断的创作灵感,那么在近光速旅行的时候会看到什么样的景象呢?这时候,进入眼睛的光线会随速度的增加而收缩。德国蒂宾根大学的天体物理学家乌特·克劳斯(Ute Kraus)通过计算机模拟,让我们以艺术化的方式体验当以光速80% 、95% 、 99%的速度穿越一个小镇的时候可以看到的景象。如图所示。


(十一)、电子运动的艺术

电子流


    哈佛大学的物理学家,现时也是一位计算机图形艺术家的埃里克·J.海勒(Eric J.Heller)创作了许多表现物理学过程的艺术作品,如图所示是他通过计算机图形手段描绘的电子在碳纳米管中传播的概念图。同时,他还对马克·托宾卡(Mark Topinka)、布莱恩·莱罗伊(Brian Leroy)以及罗伯特·韦斯特弗尔特(Robert Westervlt)等人的试验,对于电子束在三维的电子气体中传播情形进行了精彩的描绘,见图。

 


    Eric J.Heller 的电子在炭纳米管中传播的概念图



(十二)、数字机器的物理构成

非理性计算


   《非理性计算》是对现代数字设备的物理配置核心进行的艺术测试,它以硅、碳化硅等半导体为基本原料,加工成晶体管和集成电路。

    该装置包括利用各种电、晶体和矿物特性的互联模块,通过他们的网络形成一种原始的信号处理器。在这个项目上使用的结晶,直接来源于自然、工业业废弃料和特殊制作的材料。例如,一个碳化硅结晶被制作借由电极的帮助,用于点亮无数个点。该设备有显示器,该显示器用于显示由其他模块产生的数据流。另外,结晶被当作发声器,这是由于电子脉冲改变了晶体表层使其振动,通过扬声器,可以感受到这些细微的回音。

    从功能上来说,数字系统是在逻辑与理性中构思而成。然而,其最底层或其电子技术层是基于量子力学的,即统计学或不可预测的过程。这个作品推进了网络的原始世界的数码化的美学验证,映照了这个定论。“非理性”计算的目的是在现实和虚拟的界限中寻找诗意的要素。


(十三)、自动机器艺术

锤子之下


    从神话的角度看,鸡蛋意味着生命,生命是能量,根据守恒定律能量是坚硬不可摧毁的。如果能量是无坚不摧的,生命也是无坚不摧的,所以假设鸡蛋是无坚不摧的,在这种情况下,对重力和冲击的力量的抵抗基本上是牢不可破的。另一方面,显然我们每个人都有内心的感伤,悲伤太激烈的话,很多人都认为容易破裂。这里的鸡蛋也有同样的道理。作为生命的象征,表示对自己的强大必须有自信。

 


《锤子之下》,玛格丽塔·莱基奇,克罗地亚,2012年,电机、电池、金属、木材、蛋



永生

    “永生”是一系列生命维持机器相互连接,构成液体和气体的循环,以模仿生命的结构。试管和电线网络连接、心肺机、透析机、婴儿箱、机械呼吸机和血液回收机。机械呼吸机和血液回收机组成的封闭回路中循环工作,通过循环电脉冲、氧气和人工血液相互维持运转。当液体以一种沉思式的频率在房间里波动时,机器的呼吸声和引擎缓慢的“嗡嗡”声,在令人心不安的声场中与身体产生共鸣。这个装置是非理性的、复杂的,并且充满野心的探索的结果:利用先进的医学器械创造的机器的怪人弗兰肯斯坦式的系统。创造脱离身体运行的机器是一个解释新物种定义的机器的“血液”或大脑功能的替代品,从建立起以净化、泵送和供养功能为先的连续电路,为了让这些机器在没有生物材料的状态下进行动作,被重新配置,被编入同一身体的器官,展示内部的工作状况。

    用机器词汇解释解剖反映了西方对人体的感知, 《永生》展现了这些物体强烈的令人不适的特质,也是工程学上挑战生物学的新物种。
(由 Wellcome Trust Arts Award资助)


失语症探测仪

    这个装置由两个桌子(柜台)组成,中间用墙隔开(或者隔开在不同墙角),参观者填写一份对“天国”印象的问卷,他们在问卷题卡上的填写顺序将通过电弓气缸在另一个柜台的纸面上打印出来。在此使用的技术是1860年由艾廷内‧朱理斯‧马内(Etienne Jules Marey)发明的早期生理学探测器。


同谋者

    “同谋者”通过在画廊建筑物的结构中嵌入机器人来隐藏自己,墙壁变成充满好奇心的社会化机器的游乐场,每个机器人都配有打孔头和摄像头,利用打孔孔与周围环境进行交互动动。沿着公用的墙壁移动的时候互相交流,用“冲头”发出有节奏的信号聊天。总的来说,它们共同敲打墙壁探索、学习、游戏和娱乐,敲打出洞和图案反映出它们无止境的好奇心的本性。机器人不仅仅是展示的看点,而是一种干扰媒介。这个作品提供了我们与机器亲密地共同进化的样本,并改造着我们的建筑物的肌肤。

    观众可以首先发现被这种焦躁感所笼罩的隐藏的机器,并在机器人冲破墙壁时迅速地看到它。如果机器人制造出更大的洞,并发现画廊空间的观众,它们就会成为对该作品持续进行物质干预的共谋者。在机器人的世界里,观众是激发它们好奇心的有活力的元素。因此,如果机器人再次沿着洞的边缘移动,或在凿开一个短音前对你互看时,那就不是单纯为了表演的机器人了,观众也会兴奋不已。因为画廊的墙壁是栖息地,就像去了一个动物园。
(本作品得到澳大利亚艺术基金会支持。由“亚太媒体艺术”协助参展。《同谋者》装置视图,悉尼 Artspace。图:银盐摄影,图片版权:同谋者,装置细节,悉尼 Artspace。图片:被得拉·戈米因伯格。)

(十四)、动力生命艺

有机拱门


   《有机拱门》是一个特定场所的装置,包括一系列不同大小的拱门,它们每天进行数次有机变形。拱门悬挂在天花板上,与地面没有接触,它们用手制作的近似无重力的拱门浮游着,在空间内定居,透明的肌肤是经过特别设计的存储器高性能拉伸织物,在吸收日光的同时提供内部活动的景象。

    当空气从刚性织物管排出时,这种结构有可能在运动中产生新的形态。拱门在那微小的运动中向内弯曲,并慢慢地回旋形成一个独立的有机体,暗示着生命的到来,一个活着的系统即将觉醒。在它们的建筑结构和有机生命体的过渡状态下,在它们将其整合到自己的抽象符号语言表达之前,拱门受到与人类手势的相互作用的影响。

    在这种情况下,每个访问者的随机移动同时影响计算机控制的有机物的创造模式。作为无形的小生命的隐喻,夸张的有机拱门让观众穿行于它的身体和机器中,让观众经历了想象般的内脏之旅。这种不断变化的程序编排和任意行为建立了一个独特的时空,其中精神和感知的图像在活动的生命环境中积累一种新的体验和记忆并做出反应。
(图片版权:奇科·麦克默蒂/无定形机器人工程。有机拱门,作品摄影: Douglas Adesko)

 


《有机拱门》,奇科·麦克默蒂,无定形机器人作品(美国),2014场地定制装置



点·动


    根据古代神话记载,克里特岛上生活着一个牛头兽,米诺斯王为牛头兽建造了迷宫,雅典民众需要用人来向它供奉,一直到阿里阿德涅给了雅典英雄特修斯一团绳子——“阿里阿德涅的线团”。特修斯进入迷宫,杀死了牛头兽,通过绳子找回了出口的“点·动”。虽然在视觉上和概念上相互呼应,寻找着远古时代的迷官,但这种混乱(雅典人认为迷宫果然令人迷惑)被明确秩序打破了。与此同时,“点·动”提到了法国哲学家米歇尔·福柯(Michel Foucault)关于他所理解的迷宫的议题:如果阿里阿德涅的线团被不可逆转地扯断,会发生什么?

     现代社会中的穿梭已经不再是线性的,线绳已无法兑现它的定义。在《点·动》中,当几条细小的、隐喻性的“红线”构成一个整组紊乱的点位结构(信息的最小单位)时,它们会出其不意地汇合成有序、可读的“阿里阿德涅线团”。但我们只能在特定时刻、特定角度观察这团信息以字母的形式出现个复杂的交汇:混乱中的秩序-秩序中的混乱。


一颗生命的时光胶囊

    “生命的时间胶囊”是一种互动生长的雕塑,其结构来源于Lamourouxe Viscosa,是一种气球的种子,旨在寻求作为求生包乘风而行。这使得它们可以在干燥的环境中生存很长一段时间,对我们的文明发展产生了重大的影响。种子的收集是农业发展的重要因素,种植农作物,赋予了我们系统地重复这一过程的力量。另外,种子的结构也给我们的创新提供了启示。它由五边形和六边形组成,这种建筑结构在自然界很常见。

    这个雕塑是由携带日常用品的塑料袋构成的,它们连接在一起就会形成透明的细胞和导管结构。用气管连接塑料袋可以充气,随着成为该系统一部分的观众的移动使其充气变得活跃,从而,种子长成了一个完整的结构。如果有纹丝不动的旁观者,雕塑就会慢慢掉落。在整个过程中,种子消长交替,人类也构成了自然的一部分。种子生长或萎缩时发出的声音取决于塑料袋本身的材质。它提供了一种接近冥想的感觉,也描述了一种消费心理状态。
(V2-协助参展,支持:德里安基金会)

 



阿肯锡机器人


    阿肯锡机器人是一个在不经意间跟随人的互动机器人,这个机器人以一个设计简单的海运箱为外观,当观众接近时它呈现安静的静止状态,当观众转身离开时它开始追随观众,如果观众转身回看机器人,它会停止跟踪。在这个俏皮和欢乐的作品中,艺术家通过创作一个只有在观众最脱离情景式才会产生反应的作品,将我们直接参与的期待予以转变并且互动地改变了交互的形式。这个作品受启发于1969年維托・阿肯锡所做的“ Following Piece"的行为作品,在作品中,艺术家在城市里尽可能远地跟随一个人。阿肯锡对于公共空间中人体的探索被马里诺斯基重新在画廊的语境下演绎,通过在与概念行为艺术相平行的媒体艺术演绎中重新检验交互和观众参与的概念。
   (阿肯锡机器人作品受 Experimenta邀请为第五节媒体体艺术双年展所作,并在2012年被展览于皇家墨尔本科技协会画廊以及ISEA2013国际电子艺术研讨会、 Powerhouse博物馆。论文“阿肯锡机器”发布于2013年丹麦哥本哈根的Re- New Digital Arts艺术节的会议环节。电子工程师:阿拉斯·维查斯。程序编写:杜格尔・约翰逊。同肯锡机器人,2012,装置图。图片版权:马克・阿斯卡纳斯、皇家墨尔本理工大学画廊2012。艺术家与皇家墨尔本理工版权所有)



外星人


   《外星人》是由几个部分构成的装置,部件类似于双筒望远镜或某种观察仪器。圆形镜片——会发光的LED控制器根据控制,产生眼皮的潮起潮落、眨眼等动态的效果。眨眼没有固定的秩序,是随机移动的。

    当两个圆形灯并排时,我们通常将其解读为两只眼睛。“外星人”在黑暗中闪闪发光的两个圆形眼睛一般在动画片、电脑游戏、动画片中都能看到,但此时就在眼前。当它们在公共空间被部署在街边阴暗的角落中,它们发亮的眼晴会给人一种受惊吓的感觉,仿佛有人或有东西在监视着你。外星人在真实与非真实之间尽情玩耍。数字创造虚拟的地方需要大量的时间,,知觉就会变得很模糊。令人想象的问题是:“这些怪诞的物体是谁?干什么的?”(程序及电子设计,马里奥·凯勒)


空间计算器

    此作品被形容为自治的物体,这个有体物的目的是感受它的周围感受,解释它的形状和它的环境的关系。它是一个对称性高的规则四面体,一个边的边长发生变化,这种平衡将被打破,空间的扩张也会发生变化,空间的比例将进行预测。

    作品的各边各是一个独立的自治体,配备了微控制器、能量供给和引擎可以自行决定自己的长度,不受整体限制地改变形态。通过认知物体的位置和个体组件的延伸以及组件之间的空间关系,整个物体可以通过调整重心而在空间中自由移动。当机器到达空间的边界时,四条边中的三条到达空间的边界时,机器会采取理想的姿态,稳定不动。此时各个组件相互存储位置。这些被积蓄的状态被用于之后的动作的基准。


呼吸——财务办公室

    这个作品乍看之下像真正的办公室,办公室内的所有的东西放在现实的日常生活场所和位置,经过这里的观众有很多被忽视、异样的感觉存在其中。但是,如果在不知不觉中看到他们均匀的呼吸和急促的呼吸,就会产生一种幻想的错觉。这种荒唐的东西,仿佛进入童话般的幻想,就像无常的世界将面临恐惧。在嬉笑的过程中,观众会对周围的所有视觉现实产生深深的怀疑,当人们从那里逃离回到现实的时候,自己的周围仿佛已经屏住了呼吸。
(当代唐人艺术中心惠允)


缝纫机乐团


  《缝纫机乐团是在1940年生产的缝纫机中产生的精心编制的噪音装置,它用接触式麦克风进行数字处理和放大的噪音装置。这部作品首先通过这些老工业奇迹的动人力量抓住听众的想象,唤起观众与这些器物的特别联系和经验。人们很少在看到它们之后就冷漠离去。梅西耶不会缝纫,他用不可思议的方法唤醒并激活了被搁置了几十年的老缝纫机,让它继续发光和闪亮存在。它带领人们进入梦幻般的世界,在那里,每一台机器都被放大为不同寻常的个体。多年的沉默之后,《缝纫机乐团》为这些还在我们生活中的工业领域的器物创造了一种回响和新的记忆。
(马丁·梅西耶:音频,编程和表演:塞缪尔·圣欧班,让“弗朗案瓦皮契,电子系统,制造:14ieux, perte de signal。本作品得到加拿大艺术基金会、魁北克省文化协会以及巴黎 Maison des arts de Creteil and Exit Festival的支持,莫里奥团体协助参展,魁北克省文化基金会支持)


(十五)、综合的物理通感媒介艺术

永不回头的骑士


    那个错综复杂的旋转网络附有一个铁制装置,循环地点亮了又消失。灯随着轮子的转动而消失,象征着时钟12小时和1年12个月的沙子的轮子(12个),沙漏一样地在瓶子里流动。如果说车轮象征着人类的时间法则,那么暗示着它像一个永动机,同时也是不寻常的、超越时间的测量尺度的仪器。实际上,尽管装置是由电力供给的,但显示其结构和重力的流沙唤起了以前的永动机轮(追溯到中世纪,由Bhaskara、villard de Honnecourt和其他人设计),希望惯性能永远保持在徒劳中。地球上的永动概念似乎是不可能的妄想,但在宇宙中,星星在没有任何能量输入的情况下,不知道转了多少圈、多长时间。人类在“时间”和永恒之间的张力集中在这些充满神秘感的车轮中,同时体现了人类与宇宙尺度之间的关系:观众认识到在饮用的水瓶和感受星系般的体验之间的轮回和重复性。

    在一系列作品中,兰德里看重的是我们正受到威胁的最宝贵资源:在这些瓶子里,纯净的水明显地缺乏,装满沙子,晾干,消毒。在魁北克省,“水”和能源以及永动机的问题和臆想联系在一起。它有237个瓶子,足够装满浴缸,但这已经不现实了。人类对自然资源管理的目光短浅在这部作品对时间轮回的反思中显得尤为悲哀。将宇宙的发展史与人类乃至物种存在的历史进行比较是不现实的。这个视觉的组合中,有着无声的恐怖,它如此冷静而幽然,坦然地无视观众的存在。


自养体

《自养体》是由太阳能供给能量的动态雕塑和莲花池。这是为了探索人类带来的气候变化问题和技术解决的可能性,用过于技术性的调皮的方法探索解决生态问题的无比的复杂性,其任何一举一动都会引起生态系统的正面或负面影响。但这还是不考虑各种“未知的预设”(来自Rumsfeld),艺术家的挑战是试图揭开这些事件的复杂性,而不是解决它们。

    在展览时,“自养体”包含了一个太阳能蒸发器。“自养体”漂浮在一个人造水环境中,利用真实和人造阳光,蒸发器由计算机控制的聚焦器产生足够的热量来使水蒸发,生成的蒸汽被冷凝并送到水环境后的日本式水景。作品受启发于位于西澳大利亚珀斯城南面的 Clifton湖。湖沼和其中含有积层石的寄居物种,因碱化、过度开发、地球变暖、土地不合理使用等原因受到威胁。
(“自养体”作为 Symbiotical的“适应工程”的一部分研发,其赞助来自于澳大利亚政府通过澳洲理事会,它的艺术基金和顾问委员会,以及悉尼Myer基金会。 Symbiotica是西澳大利亚解剖与人体生物学院的生物艺术卓越中心。)


恒定的世界


   《恒定的世界》由5个摄相机构成,展现了一个建筑物和自我创建及广告的投射乌托邦世界。该装置由固定在屋顶上的一系列金属球、模型、摄像机和照明设备组成,在设置了一个具有发射面的城市环境的场景后,由镜头交切、文字元素、迷你屏幕构成的黑色情节剧,通过平面显示器,观众被吸入到屏幕上显示的空间位置。这个项目受到新巴比伦尼亚(如情景主义者尼乌文赫伊斯)和让-吕克·戈达尔黑色反乌托邦式的电影《阿尔法城》(Alphaville)的影响,它质疑了我们的文化利用语言错误地分配价值的方式。展览策划人迈克尔·康纳在作品的第一个展览上写的文章中这样说:”在创建城市空间的意义中,《恒定的世界》借鉴了集中化控制的几个系统:营销、建筑、实时监控、计算机操作员。观众需要站在系统外自由观看。观众的流动性使控制系统实现了潜在的超现实主义,具有丰富的寓意和随机性。这是发挥主观感觉的空间,也可以说是一种游戏。”
(Postmasters画廊惠允)


灭绝之光


    《灭绝之光》展现了一个半自动机械群复杂的滑稽动作的一系列景象,观众首先将进入这一体验的“后端”,面对操作形式的紊乱,通过观察孔可以看到这些“物件”拒绝任何维持想象秩序的机会;然后观众们走向这部作品的“前端”,通过另一个观察孔,类似的形状漂亮地变成伴随着噪音和漆黑的风景的舞蹈。当一组形态渐趋消失,另一组则飘然而入。有关“人类经验之消失的想法表露了这样一种假设的恐惧,即当多种生态共存的世界陷入一种永久的黑暗之时,人类的经验也将荡然无存。《灭绝之光》缓解了以人的角度想象的这种悲哀,以便更全面地看待其他的可能性,这展现了曾经未确认的权利和自主的地位所造成的协同创造。一时的怀疑让步于想象之“物”诞生的庆典——不需要像传统的光亮或是消失已久的舒缓的佳眠曲作为必需品。(这个项目受到澳洲政府通过澳洲艺术咨询资助支持。基思・阿姆斯特朗得到昆士兰政府通过昆士兰科学、信息科技、创新与艺术部的支持,以及QUT创新工业、昆士兰蝙蝠保护与抢救协会、澳洲蝙蝠观測协会的支持。发布于MAAP亚太地区媒体艺术并受到澳洲艺术理事会的新兴实验艺术支持。)


完美成型


    乔纳森·维伦组夫的作品试图定义一个空间及其轨迹。艺术家邀请观众的动作和走动来创造出一个场景。这些关于机械的景观是与自然、科学的对话,其中两者是不存在平等的相互主导的。从整体的有机运动点到生物的不稳定特征,这些组合的节奏展现了一个经过计划的编制。他的作品在物理上涵盖了观众由于其体积触发了建筑作为一种环境设定的个人化和嵌入式的体验。

    在《完美成型》中,乔纳森•维伦组夫试图划定一个空间并且指明路线,其运作方式好像编码标牌,具有生命力的物体标记空间,并且吸引观众进行催眠体验,艺术家跟踪可能的步行路径,并创作了一系列移动指示,以便随时间改变它们。另外,还涉及动态物体与它们产生的声音之间的距离的概念。材料的选择、空间的布置以及听觉的维度都在推动着场景的发展,观众被自动控制对象所产生的各种声音所吸引,并被鼓励在空间中遨游以发现由其提供的各种视点,通过过程的积累,不同的组合结构创造出一个音景让观众着迷的诗意体验。
(莫里奥团体协助展,魁北克省文化基金会支持)


最小可觉差


  《最小可觉差》(JND)是让人轮流躺在完全黑暗中的感觉环境。这个装置基于苏斯塔夫·费希纳(Sustav Fechner)的概念“最小可觉差”,人们可以体验最细微的感觉刺激的感知能力。在一定的时间内,观众会获得异常广泛的视觉、听觉和触觉的感觉,挑战我们如何感知不同强度水平的感官刺激。《最小可觉差》探索我们的视听和感觉的缺陷,噪音和秩序之间的波动以及感觉和理性之间的博弈都直接体现在全身性经验中。


模糊切入臆断空间

   《模糊切入臆断空间》是一件电气化学投影装置,其频闪的背景光使参观者的视觉丧失,随着角度变化的颜色令人目眩。有机玻璃盘之后,通常条件下不会融合的化学品结合而分离,超声波辐射和机械旋转切断分子水平的连接,各种各样的推测浮现出来。Friedlieb Ferdinand Runge实验的化学品合成的动力在这里变成它的反力:构造出其并非“可能”而是“不可能”的化学组合。威瑟形容这部作品是实验电影的进一步发展。装置背后的光源使混合变化了的色彩混合可视化。但是,与照片和高清屏幕不同,这些电化学过程并不是通过图像再现我们的世界,相反,将化学品的视觉效果放入在视线中心,提供了惊人的多样的视觉可能,这种具有偶然性的手段,实现了电影影像生成中看不到的过程,器材的内部结构也变得非常透明。

    但是,除了这些分析之外,还有一些不被视听者感知的因素:高频音不能通过听觉接收。尽管超声波产生了各种各样的效果,人类感知能力的不足使其无法进入观众的认知。从本质上讲,这部作品引用了器械的纵向机械性;从视觉生理学上的无形化角度,它超越了所有视听媒体的影响,揭露的同时也在隐藏着。


深邃的数据_模型Ⅰ


    从20世纪70年代初开始,人类就为研究太阳系派遣了宇宙飞船,配备各种传感器,测量和分析行星和恒星之间的特征。在20世纪70年代的科幻小说中,我们可以想象在轻易地去月球、去火星,去寻找其他的生命体。宇宙生物学是基于一个更实际的想法,提出我们正在寻找的生命或生命征兆的形式,与其说它与我们相似,可能更接近微生物。《深邃的数据:模型Ⅰ》构成了“深邃数据”项目的第一阶段,利用太空探测器收集的数据向太空生物学的常用微生物再现太阳系环境。这个项目模拟了一个人造的太空生物实验室。

   《深邃的数据:模型Ⅰ》利用“先锋号”和“旅行者号”收集的磁力数据来在缓步动物培养皿中再现磁场实验。缓步类动物逐渐成为宇宙生物学中最重要的一种生物体,它具有能够在极地生存和长时间休眠的特征,在快进的时间线中,缓步类动物经受四大充满气体的恒星的强烈磁场,以及在太阳系深处的更微妙复杂的磁力环境。


    装置由显微镜和具有电磁气体的缓步性动物用培养皿构成,两个平面显示器上显示着接收到的数据和变幻重叠的磁场下缓步动物的实况影像。


四、未来物理转换艺术
——星际穿越与太空殖民


    未来的物理转换艺术涉及太空艺术计划,如:外星移民计划等领域。科技重新定义公共艺术的空间,未来公共空间拓展为数字媒介网络平台、云端、记忆存储的空间,以及神秘、陌生、恐惧、浩瀚的公共展示平台:太空物理空间。

    我们很少关注地球之外存在的太空,人类的价值观都是以人类的利益来判断的,而不是以宇宙生态的平衡作为前提的,因此人类所有认知存在很大的局限性。道家天人合一思想中的“天”即宇宙自然,人与宇宙之间应该是和谐统一的关系,而非无限索取、斗争的存在方式。人类注入一种物质可以像动物冬眠一样处于低耗状态,旅行中延长寿命,可解决长时间太空飞行的需要。未来地球生存危机,引发人类寻求更适合居住的星球,就如哥伦布发现新大陆一样,由于狭隘的民族、个人欲望,人类星际殖民时代的开始,一直会持续下去。

    以下列表可看出“太空计划”的关注带给我们各领域符号与观念的变化。(涉及领域的关键词)

社会:权力之争、侵略、外星法制建设、所有权、管辖权、新殖民,新的生存状态、感受、伦理

经济:资源、机制、科技、旅游产业、经营权、新能源

终极思想:时间、死亡、自然物理、空间、生态(冬眠、注入AMP低代谢、中止老化)

感受与观念:恐惧、孤独、好奇、记忆、美、浩瀚、空旷、不确定性、未知、神秘

 



    宇宙观也让我们认识到了人类的渺小,人类的世界再大相对宇宙似乎都可以忽略不计,我们需要学会放下很多贪嗔痴的欲望,追求至乐、自在的境界。


    据国外媒体报道,如果人类想要移民其他星球,那么就需要一个很大的飞船,俄勒冈州波特兰州立大学人类学家卡梅伦·史密斯估计初期移民人口数量大约在4万人左右,如此庞大的人口数量可使殖民地人口呈现多样化,在遗传统计上具有意义,可解决长时间太空飞行的需要。

 


▲ 120年后世界第一艘长2公里的天空母舰建成



    美国科学家发表报告说,他们利用设在夏威夷的“凯雅克”天文望远镜发现了这颗“迄今发现最像地球的星球”。它是个多岩石的星球,位在天秤座距离地球约20光年。它环绕着天秤座中的红矮星(恒星的一种) Gliese 581(中译:格利泽581)运行。这个星系内迄今共发现6个行星,天文学家把这颗新发现“超级地球”命名为Gliese 581。

    20世纪飞机缩短了国家与国家的距离,21世纪后的将来电浆火箭的发明将逐渐缩短星际间的距离。哥斯达黎加出生的华裔太空科学家张福林(Franklin Chang-Diaz)向法新社表示,他推动的高科技“可变比冲磁电浆火箭”(VASIMR)在历经数十年研发后,目前正蓄势待发,未来可将地球飞火星所需时间大幅缩减近六倍到只需卅九天。电桨火箭比传统火箭快很多倍,电桨相当于把一个小太阳装入火箭。星球孕育生命需要三个基本条件:1、为化学反应提供场所,水媒介;2、生命中材料DNA中的磷;3、能量的来源,如太阳。找到这些物质的新星球,人类便可以搭乘电浆火箭或飞船大量移民新的家园,消除由于能源短缺、生态破坏或小行星撞击地球而引发地球人类灭亡的绝望。在很久的将来,人们可能在新的外星家园通过望远镜来回忆地球被淡忘的历史。

 


▲ 火星上运用3D打印自动技术施工



    除了太阳系最适于生存的火星,2.0地球也会被发现,在飞向2.0地球的路程远比火星遥远,可能需要几十、甚至几百年到达,为了让远航者能活着到达外星球(2.0地球)人类想尽各种办法减缓远航者的老化过程,降低其代谢能量,诱发冬眠,延长寿命成为一种假死状态。要么人类能控制时空结构,利用时间扭曲通力场飞往2.0地球。星际旅行的物理时空扭曲也会带给我们生理、伦理的错乱这也是一种极为可怕的想象。


结语

    艺术不能仅以人的意义来评判所有价值。有生命特征的仿生人造物、复活物的行为、身份的界定全都是以人的利益判定,这是不平等的竞争关系,那样从生态学角度就会不科学。生态系统只有 “物竞天择”才能平衡其生态,这里的食物链的竞争与进化息息相关,也才能让物的智能进化达到可能,如人工智能的进化与人类智能的进化是否相同,人工智能进化速度更快,历时只有短短的几十年,而人类的进化的历史历经万亿年,靠的是生存环境与条件的逼迫。这是自然差异带来的不平等,而以后怎样解决这个问题,只有在人与人工智能达到机能无差别的情况下才能改变龟兔赛跑的寓言。


2021年1月20日于北京

参考文献
1.张燕翔.《当代科技艺术》.科技出版社.。2007.11
2.“合成时代:媒体中国2008——国际新媒体艺术展” “延展生命:媒体中国2011”“齐物等观:国际新媒体艺术三年展”展览资料
3、艺术档案网(www.artda.cn)

艺术简历
张海涛(Zhang Haitao),策展人、艺术评论家、未来艺术学者、艺术档案网主编、鲁迅美术学院当代艺术系特聘教授、天津美术学院硕导、北京服装学院客座教授。2004年至今在国内外已策划百余场学术展览与论坛。2007年创办艺术档案网。2009—2017年先后任宋庄美术馆执行馆长、元典美术馆副馆长、贾平凹文化艺术馆副馆长、荔空间策展人、NO!SPACE艺术总监。2019年第七届“金拴马桩奖”影像艺术节终评评委;2008-2017年北京独立影像展选片人; 2015-2019年丽水摄影节学术委员、评委;首届圈子艺术青年奖评委。2012年出版个人著作《未来艺术档案》。曾策划:2020 未来艺术学;2020机器·人·艺术·时代;2019艺术合肥“解药——实验影像艺术展;“守望原乡”2018广安田野双年展;“都市游牧”2017杭州大屋顶国际动态影像展;2017“人机合一”艺术展;艺术郑州·2016当代艺术展;2015北京798艺术节:新民间转换;第十六届OPEN国际行为艺术节;2014西安“媒体城市”国际艺术展;100X100=900国际录像艺术展;第十届北京独立影像展;EXiN2012亚洲实验电影与录像艺术论坛;“生物·生态”中荷当代艺术展;“虚实同源”2011北京新媒体艺术年展;“行为艺术中国文献—1985-2010”展;第一届“人造风景”798多媒体艺术节;2010影像档案展;2009第五届宋庄艺术节“未来索引”;2008第三届北京独立电影论坛;当代嗅觉艺术展—嗅觉·感觉;2004—2006当代权充艺术展Ⅰ、Ⅱ、Ⅲ等展览。
 

编辑:杨晓艳
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