頌艺术中心再次携手没顶画廊推出2025开年大展“永动”，此次展览共汇集了陈英、李汉威、刘娃、陆平原、商亮、邵丰田、宋陵、汪建伟、王欣、王梓全、徐震、杨扬共12位艺术家的绘画、纸本和综合材料作品。以“永动”为主题，呼吁我们正视艺术的长期主义，其作为驱动力，体现着艺术家个体对于艺术和自身生命力的投注。

 

  展览作品从对生物跨纪元共生的沉思，到对AI的思辨性运用；从自然生态到工业与数字生态；从文化遗产的具身痕迹到某一时刻的心理震颤——彼时、此刻，均浓缩为当下的表现形式……这些创作关心人类集体生存状态对于快速的、一次性消费主义的判决，肯定了冲突的合理性并将其作为思维永动的燃料。这也是艺术家的养料。 

 

  陆平原和宋陵的创作强调意义的重新赋予，在此过程中，“生命”的含义得以被再次审视。在“黑色自然”系列里，陆平原借用了法国经典动画片《巴巴爸爸》中的人物“巴巴伯”（Barbabeau）的艺术家身份，探讨了从物件到生命体的转化，指出人类依靠生命度来识别其他物体的行为惯性。而宋陵的画改变了我们看待熟悉事物的视角，无论是标志性地将冰冷的手术工具进行溶解、异化，或是疫情期间将身边的蔬果切面与身体构造进行结合，都体现了艺术家通过赋予事物新的存在形式，反思了旧有的生命秩序。

 

  躯体的感知和异化也是艺术家探讨的核心之一。商亮的“正道仔”系列源自于对力量和完美躯体的想象及渴望，超现实的健硕肌肉一步步发展到近乎荒诞程度，使得肌肉成为了脱离身体控制的独立存在。王欣描绘的身体呈现出一种漂浮、离散的状态。构成身体的粒子，或聚合或游离，诠释着生命、死亡、爱欲、重生几种状态的相互流动。

 

  刘娃、汪建伟的作品关注多物种共生的状态。在刘娃的创作中，她试图捕捉当下不同生命体在人类活动影响下的生存现状，在剥夺了人类的能动性和主体性后，陌生的观察角度构建出一幅幅后自然的景观。而汪建伟更侧重时间的维度，将跨越万年的物种进化过程凝聚在扁平的一瞬，将万事万物“波动”的存在状态放大，从而强调了存在的时间性和模糊性。杨扬的抽象绘画也与他们分享着同样的“共生”的美学判断，但是其选择的则是拼贴式的创作手法，且共生的对象是同一自然地域上的不同文明。其画面中不同的抽象元素分属不同的文明，原本意义明确的视觉符号被组织在一起后，自身固有的意义变得模糊的同时，诞生了一种崭新的文明的晶体。

 

  科学技术的发展所带来的生产工具的变革，亦会刺激艺术家思考变与不变之间的辩证关系，进而创作出作为有机生命的艺术品。徐震的“激情”系列绘画，来源于日常生活中我们对于社交软件的使用。每一个人都在不同的“我”之间切换，其情感无论是规整克制或狂放张扬，都受制于软件自身设定的界面模式。白色背景中熟悉的灰绿双色对话框，都传递着流淌于网络聊天中的不同情感状态。

 

  邵丰田对既有的艺术家观看和阐释世界的特权持怀疑论，他尝试通过人工智能和生活中物体图像的相互加工，在画面上模拟出当代人碎片化的信息获取习惯。

 

  陈英的“灰色”系列绘画同样源自于对超工业时代的视觉感知。细腻平滑、鲜艳跳跃，这些数字时代随处泛滥的扁平审美被陈英沿用到绘画中，在此基础之上，艺术家对于绘画工作的把控和取舍更凸显出媒介所蕴含的张力。

 

  李汉威寄生并骇入在当下消费社会的传播媒介。在其最新的“目击”系列作品中，艺术家利用尖端的信息处理技术生成图像。这些技术看似拓展了人类的感知边界，实则隐藏着诸多局限与“漏洞”。李汉威揭示了技术对人类生活的深刻介入，同时反映出人类试图超越自身局限的徒劳与可笑，不断挣扎着试图“揪着头发想要离开地球”。