邵昱皓近些年一直致力于水彩艺术语言的探索,在水彩画传统中重“水味”和色彩的“透明性”的基础上，潜心研究各种特殊水性材料在纸本上的表现。同时又吸收了现当代艺术中的构成、泼洒、点彩等技法，使其画面更具时代的新意。他绘画的主题围绕当代社会问题进行追问与反思,使他的艺术更具有深刻的学术性和强烈的时代感。他在水彩画的媒材、形式、技法的大胆尝试和主题上的深入挖掘得到水彩界的普遍认同和赞赏，并在国家、国际水彩大展上连连获奖。在2011与2012两年的时间，四件水彩画作品作品连续摘得四次国家级展览最高奖（第四届全国青年美术作品展最高奖、第十届全国水彩画展中国美术提名奖、第二届全国小幅水彩展最高奖、第二届中国当代学院水彩作品展最高奖），三件水彩画作品分别荣登三次国际画展舞台（第五届中国北京国际美术双年展、上海国际水彩双年展和英国皇家水彩世界水彩大展），其中1件被中国美术馆收藏。昱皓在艺术语言上的实验性探索丰富了水彩画的表现力，拓展了水彩画的技术空间。

昱皓的作品不仅追求形式感，而且对当代社会问题和生命价值进行了反思，这从他一系列作品中可以反映出来。

2011年荣获“第四届全国青年美展”优秀奖（最高奖）的作品《桌前》，以“鱼”为主题符号，水彩为媒材、拓印与罩染并用。作品中坚实的形体，支离的形象，特殊的肌理，飞白的笔触，装饰性的背景，构成性的画面营造了独特的视觉效果。2012年荣获“第十届全国水彩•粉画作品展”中国美术提名奖（最高奖）的作品《桌前-续集》。在《桌前》系列基础上，将青花瓷纹案嫁接“鱼”中，通过“干鱼”与“青花瓷鱼”的反转构成形式来叩问生命的价值。生命是脆弱的，但比生命还脆弱的是人对于生命的感知和体验。作品中的“鱼”，在形象及色调上既是现实性的，同样又是概念化或符号性的，也成为一种超出它自身存在于时空范围的非现实之物，来揭示其存在的状态。生命的驱壳，描绘隔绝时空的“鱼”，暗喻城市化生活中所形成的纷扰与孤独，嘈杂与寂寞。作品力求消减客观物质属性，由理念幻化派生出的绘画语言，呈现一种表述，来揭示其存在的意义。

作品《耸•静物日记系列》2011年荣获“第二届中国当代学院水彩作品展”学术奖（最高奖）。他创作了一批以“陶罐”为主题隐喻“生命”存在价值的静物作品，运用构成形式与抽象语言，通过支离破碎的表象与狂放的笔触消减客观物质属性，赋予“陶罐”抽象的意味，幻化为“生命”的象征形式，使作品进入一个陌生的 “视界”，进而揭示“生命”存在的状态。生命往往盛极而衰,生命最绚烂时也意味着开始走向衰落，在这种零界点上生命的律动是非常强烈的。该作品力求从强化视觉的张力进而转向关注心理的深度和走向观念内涵。

2011年在“英国皇家世界水彩大展”中荣奖的作品《弄山系列》。该作品用笔大胆粗犷，画面构成感强。运用多种特殊材料塑造了特有的肌理，并以肌理的效果对比营造了强烈的视觉冲击力。作品以“山峦”为主题暗示着生命现实的感伤与对未来的彷徨，使人联想到那些儿时熟悉的充满生机的土地日见荒芜、贫瘠的时候，那些曾经生机盎然的山丘变成怪石嶙峋的时候，一种忧伤与惋惜油然而生。那些满是裂痕的山体，似乎像发出一声声无助的叹息；那些布满沟壑的河床，似乎是自然肌体所留下的伤口，仿佛也在残喘……“现实的未来”是否成为“未来的现实”？

所谓“质沿古意文变今情”，艺术的发展在内容上不能丢掉其传统，而艺术的语言当随时代。昱皓的作品在传承基础之上突出了时代新意。在艺术语言上，他大胆借鉴其他画种的技法、媒介、构图，并在水彩画的本体语言上——水性材料上进行了大胆尝试和实验，在笔触、肌理、技法、综合材料等的综合应用于纸本上，取得了很好的效果，拓展了水彩的表现力。在观念上，他吸收了西方抽象艺术的理念，追求纯粹形式和语言化风格，应用符号化和隐喻的手法来影射现当代的现实社会问题，表达出自己的内心感悟。          

肖清风 湖北美术学院副教授