文/段君（批评家、策展人）

 

  我想讲三个问题，第一个问题是我自己感受到的，雷双老师作品中的一个关键词叫意志力，我觉得属于是一种比较虚弱的意志力。第二是我想分析一下为什么雷双老师的作品最后没有走向肌理，因为肌理效果在她的作品中曾经出现过，但是为什么她比较克制，而且后来没有走到这一步。第三，我跟王端廷老师比较相近，认为“光寂”系列很特别，我一会进一步分析一下“光寂”系列的突破性在什么地方。

 

  第一，我进来看了展览之后，觉得展览很整体，但是有一件作品在形式感上稍微显得另类或者突兀一点，就是《红与黑》这件作品，这件作品是展览里比较少有的、采取直接对抗或者对立的一种形式，因为其它作品相对内敛一些。大家可以看到，雷双老师1995年的这件喷薄的作品和2013年的日食葵，日食黑色的力量显然更强大。所以我觉得这件作品很有意思，其它作品都没有采取直接的对抗，虽然其它作品也含有意志力，但是艺术家采取了一种比较衰弱的形象去进行隐喻，我觉得这是雷老师作为女性比较特别的地方。

 

  第二，为什么雷双老师的作品没有走向肌理，我看到很多作品由线条、形状、团块等比较尖锐的东西组成，不太圆润，我觉得这要跟徐虹老师请教了，是不是它不太符合女性特质，当然这是女性本质主义的看法，女性不一定要用圆润的线条或形状，但是我感兴趣的是她的线条为什么经常是一种折断。从整体上看，雷老师作品的文学性主要体现在诗性方面，不是叙事性，所以我觉得她比较克制肌理，或许她想超越物象或物质感，因为肌理在现代主义的范畴内也是属于物质感的一种，物象则包括形象。

 

  另外，我认为她对荷花的描绘，包括对所有植物的描绘，不是为了去隐喻人格，比如出淤泥而不染，我觉得更多的体现出一种命运的虚无感。所以刚才雷双老师也谈到她对于哲学、对于阅读的关注，她更关注的是黑夜、黑暗等这方面的意象。其实雷双老师90年代的作品，我从年轻人的角度来看还是非常有时代气息的，比如1995年的这件，“喷薄”的感觉一定是当时最具代表性的。雷双老师对于自身的命运以及个人阅读的兴趣都集中在这一块，所以它的确是一个发生学的，比如《灵魂之舞向日葵》，在我看来有点像一个骷髅的舞蹈，或者是死神的舞蹈，荷花的叶子有点像一个骷髅，花蕊像她的心灵，我觉得接近中国古代山水画的处理方法，即对于山体作为龙脉的处理，我觉得她的目的是为了化解界限，所以对于超越物象的目标促使她没有走到肌理这一步。

 

  第三，我要谈谈“光寂”系列的价值，雷双老师没有走向肌理这条道路，没有走向现代主义最后的巅峰状态。在我看来雷双是一个现代主义者，她对抽象表现主义有一定的突破。我之所以更喜欢“光寂”，就是对日食的圆形的光，以及折叠出来，或者说有规则的折叠感的光，我更有兴趣。因为这种光有一种神秘感，她描绘的向日葵，包括所有的花，都有一个重要的特点，就是没有母体感，缺乏归属感，通常都是流变，是一种变化的状态，有点像上古天地洪荒的感觉了，以至于她的作品留给了观众更大的想象空间，可以有更多的猜测。所以我觉得它的价值在于它突破了现代主义其中的一条线，我刚才定性雷双老师是一个现代主义者，在于现代主义的两个线索：一个是从后印象派到抽象表现主义，她还是比较纯粹的现代主义的，比如关注形式、意志力等等。而后面的另外一条现代主义线索是跟当代艺术有关，从前卫主义以来，特别是杜尚这一派，比如夏可君先生比较强调的现成品的这一派，所以雷双老师归于现代主义注重形式的一路。

 

  为什么对抽象表现主义有一个突破？我觉得抽象表现主义侧重于强调男性化的意志力，当然每一个艺术家有不同的地方，用雷双老师自己的话说，就是要用一种生命的力量去展现一种非有机个体的生命感。但是这里面的区别在于，抽象表现主义更加依赖意志力，如果意志力削弱的时候，用雷双老师自己的话说，是自我的繁殖力随即消失了。但这批作品恰恰是雷双老师感受到了一种东西之后，才强调的自我的繁殖。

 

  所以我觉得“光寂”系列的作品是很有未来的，甚至要超越过去雷双老师所画花题材的全部价值。因为这里面的空间很大，况且她关注阴暗，这可能是她作品最后形成深层的样子，也是无法预料的。我期待雷双老师后面能够再次像90年代时期达到具有时代性的艺术感，因为当时她抓住了时代的特质。90年代到今天20年，如果还能在这个时代有一个新的自我，一个自我繁殖的契机，我觉得还能达到一个新的程度。