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郑伟：从设计师到艺术家
时间：2022年08月02日 作者：郑伟Vs 徐美玲 来源：
反盗版海报，2006年
徐：为何决定从设计转到当代艺术创作？您如何看待这一转变？是否遇到什么困难？
郑：设计行业要求有极强的接受新事物的能力，我感觉自己在“一线”做设计工作太长了，开始变得有些保守，我认为在中国做设计还是年轻人好一些，年轻人熬夜很快就能恢复。我现在做艺术是在顺其自然的状态下形成的，并没有刻意地去改变什么。
对于我个人而言，如果说我现在从事的当代艺术创作是转变，其实更准确地说应该是转换了一种艺术创作的方式吧。况且多年来，我从未有过放弃做艺术的想法。唯一的转变是以前是为订单做事，现在是为自己的想法做事。
当今世界很多顶尖的艺术家都并非是学绘画专业毕业的。我现在创作没遇到有不适应和困难。
徐：由设计师转为艺术家，30年的设计经历是否对您的艺术创作有帮助？
郑：这个问题问得好。之前的工作经历确实对我现在的创作有着很大的帮助，这段经历让我可以很灵活地游走在艺术与设计之间。在艺术创作时可以借鉴设计的经验方法，做设计时可以跨越到艺术领域。让自己没有任何约束和包袱地去做艺术，这也是目前我做艺术创作区别于其他人的特点吧。不管是做设计、从事艺术创作，也都是基于我学画的初衷，来源于我在国内、国外生活的经历。
徐：什么经历改变了您对当代艺术的认识和理解？为何搁置架上绘画，选用综合材料进行艺术创作？
郑：在早期，我对当代艺术的理解确实是比较肤浅的，而且脑子里有一种被固化的观念，总觉得不是用传统绘画造型语言的方法做艺术，是不会被大家认可的。虽然曾经看过劳申伯格的展览，但还是无法理解。直到我去了国外参观考察，与美国艺术家交流，在纽约现代艺术博物馆（MOMA）看到了非常多样、大胆的当代艺术作品后，我对当代艺术的认识和理解彻底颠覆了。开始接受劳申伯格、贾斯伯·琼斯、安东尼·塔皮埃斯、安塞姆·基弗等艺术大师的作品。原来用综合材料创作也可以是当代艺术，关键在于把握和利用最合理的材料来表达你的思想。由于认知的转变，我非常清晰、坚定地选择用材料进行创作了。
多年的设计工作经历也让我对很多材料都比较了解和敏感。比如我曾经做过景观雕塑，广泛接触过景观类的材料，我也经历过设计印刷环节，对不同纸张都很熟悉。而且，我比较善于发现和运用材料来创作，能够比较恰当地将作品的思想与材料结合起来。我希望让材料说话，让材料去体现和丰富作品的思想观念。这是我使用材料进行创作的要求。我反对“为材料而材料”。
徐：如何选用材料进行创作?让普通材料变成艺术表达的语言，您认为难点在哪?
郑：当代艺术受现成品艺术观念的影响很深。很多人选用材料创作的时候，往往会被具象造型束缚住。现在一些学校在讲综合材料创作时，常用“三板斧”：第1种玩法，用不同颜色加以其它化学物质使画面表面出现肌理的变化；第2种玩法，用不同材料加以拼贴和破坏处理，其产生不同的视觉效果；第3种玩法，即一是“破”，二是“组”，把一个好好的东西砸烂、打碎后，重新拼贴、组合。但是，使用材料进行创作，首先需要抽象思维训练（我此前在大学学习的“打散构成”，其实是一种抽象思维训练方法）；此外，更重要的是我们要理解三个问题：第一，当代艺术为何用材料？第二，我们不能因材料而材料，而且在使用材料做作品时，要有要求和标准：选用的材料要比用它任何一种材料都更适合去表达你的思想，因此你才能用这个材料去做作品。第三个问题是，用材料的过程和手段要因地制宜。我回到中国做综合材料作品，其实比我在美国更为便捷。中国是制造业大国，有非常多生活和工业材料，甚至有些材料会直接启发我的创作灵感。我常常在网上浏览商品和购买材料，这让我的创作更便利了。
困难在于对材料的熟悉和认知过程，有些材料的质量也会影响创作过程。比如，我对塑料这种材料不熟悉，我就要专门去了解塑料的各种属性。所以在选用不熟悉的材料进行创作时，就需要反复多次实验材料。面对熟悉的材料，我会对材料进行拆分、重组、模拟等多重手法，拓展日常材料的可能性，从唾手可得的物件中汲取灵感，让艺术创作突破传统约束，使自己的创作充满趣味。
徐：在创作方法方面，您是否有比较喜欢、习惯的方法？您会总结建构自己的创作方法体系吗？
郑：没有惯用、固定的方法，我更不会刻意总结成某种体系。用综合材料来创作，会面临很多不确定性。我创作的大多数作品都具有实验性，每一个作品都是从失败开始的，在失败中不断调整，最后达到我所认可的效果。虽然我的作品都有手稿，但在尝试使用材料创作的过程中，会不断经历失败、毁掉、重来，最终作品和手稿会有很大的差异。结果不可预期，每一次创作的成功都是惊喜，也赋予了作品的魅力。而且，我认为用材料来创作很有力量。因为没给自己设定固定的模式，只要能合理、有效地表达我的想法，什么材料我都会拿来用。《让我看看你》《你在听吗？》是由手机拍摄的两件作品，我喜欢这两件作品拍摄的偶然性和结果的不确定性。
徐：您是否持续关注当代艺术的动态？2018年您第一次参与了当代艺术展“不问为何”，请谈谈展览策划的契机，以及您展出的作品情况。
郑：一直有关注。2006年，我还和艺术家李邦耀、石磊、江衡，在广州白云山脚下一起做艺术工作室。在2018年深圳举办的“不问为何”当代艺术展中，我很喜欢策展人冀少峰的评论：他从未离开当代艺术，多年来他们一直被当代艺术的潮流裹挟着而不断前行。这是我第一次参加当代艺术展，参展的另外三位艺术家都是中央工艺美院的校友，他们是吴玮、陈雄伟和王小丁。虽然都是工艺美院学设计的，但多年以来，他们也一直在做艺术创作。
这个展览谋划了好几年，可能是水到渠成了吧。在此，非常感谢策展人、湖北美术馆馆长冀少峰。
在这次展览上，我拿出了5件作品参展：其中《黑中黑》《灰中灰》都有明显的设计构图痕迹，与我的大学专业有着不可分割的关系，《黄金时代》《泡沫时代》是我用抽象绘画语言创作的作品，这4件作品都被艺术机构收藏了。另一件是装置作品——《欲》，是我“盲道系列”作品之一。
《黑中黑》丙烯、光亮树脂，200×200cm，2018年
徐：2020年，您参与了由广东美术馆举办的“边界的自觉”展览。您如何看待、评价此次展览？您如何理解艺术与设计的关系？
郑：“边界的自觉”展览召集了北京、上海、广州、深圳、香港等地区非常有影响力的平面设计师参展，希望用不同的思维方式、表现手法突破艺术与设计的边界，从多维角度回应当代艺术与设计方面的问题。参展的设计师拥有着多重身份，既是设计师，也是艺术家，都受到过专业院校的美术训练，有着很强的绘画能力，有些设计师创作的作品在设计展览、艺术展上均有展出，经常被看见。
《灰中灰》丙烯、光亮树脂，200×200cm，2018年
